Descripción del blog


Este blog educativo está dedicado a la Historia del Arte en general, y a la Historia de las Artes Decorativas y el Diseño en particular. Apuntes de Fundamentos del Arte I y II. Resúmenes de Historia de la Indumentaria. Cine en el Arte, Arte en el Cine. Todos los textos han sido escritos por la autora del blog, Ana Galván Romarate-Zabala. Si los utilizas, cita las fuentes. Todas las imágenes contenidas en esta web tienen exclusivamente una intencionalidad didáctica. Si alguna imagen empleada vulnera derechos de autor, puede solicitar la retirada del material que considere de su propiedad intelectual. El contenido de mis artículos puede ser descargado libremente, pero por favor, cite la procedencia. Imagen que encabeza el blog: Un Bar aux Folies Bergère, Édouard Manet, c. 1882. Courtauld Institut, Londres. Fuente de la imagen: Wikimedia Commons. Public Domain

lunes, 29 de febrero de 2016

INTRODUCCIÓN AL ARTE GÓTICO: EL CONTEXTO


¡Saludos!
De forma muy resumida, os dejo algunas ideas fundamentales para comprender al arte Gótico vinculadas a su contexto histórico-cultural.





























Actividad de comprensión y síntesis sobre la introducción al arte Gótico. Competencias: CCL, CPAA, CEC

Explica algunos puntos en común y diferencias entre el arte ROMÁNICO y el GÓTICO.

1.Cronología del arte Románico vs. el arte Gótico.

2.     Marco geográfico del arte Románico vs. del arte Gótico.

3.     Arte rural y monástico vs. arte urbano y episcopal.

4.     Guerras y epidemias en la etapa del Románico vs. el Gótico.

5.     La luz en el Románico vs. la luz en el Gótico.

6.    El arte como “biblia de los iletrados” en el Románico y en el Gótico.

7.     Hieratismo y feísmo vs. naturalismo y sentimentalidad.

8.    Corazón de piedra vs. corazón de carne.

9.    Arco de medio punto vs. arco apuntado (u ojival).

10.  Bóveda de cañón con arcos fajones vs. bóveda de crucería.


jueves, 25 de febrero de 2016

ACTIVIDAD INICIAL ARTE GÓTICO


¡Saludos!
Actividad inicial sobre el maravilloso arte gótico. Contestad el cuestionario después de ver el siguiente video:

1. Cronología del arte gótico.

 2. Durante la etapa del Gótico hay un desarrollo…

3.El arte gótico ¿es rural o más bien urbano?
      
4.Marco geográfico del arte gótico.

5. El edificio emblemático del arte gótico es...

6.Tipologías arquitectónicas del gótico:


 7.Las catedrales se llenan de luz porque la luz es símbolo de…

 8.Tipo de arco más empleado en el gótico:


 9.Tipo de bóveda más empleado:

10.La planta más usual de las catedrales es:

11.El origen de la arquitectura gótica se encuentra en…

 12.El arte gótico es más naturalista que el románico. Explica esta evolución.


 13.  Señala varias etapas de la pintura gótica.

miércoles, 27 de enero de 2016

EL ARTE MUDÉJAR

                                         
¡Saludos!
Como actividad inicial al Arte Mudéjar, veremos el estupendo video de Artehistoria y contestaremos a las siguientes preguntas. Como siempre, hay alguna cuestión de cultura general, que no sale en el video:

1. Cronología de Al-Andalus.
2. Cronología del Arte Mudéjar. Focos o escuelas regionales más destacadas.
3.  Marco geográfico del Arte Mudéjar.
4. Define: la Reconquista y su cronología.
5. ¿Quiénes eran los mudéjares? ¿y los mozárabes? ¿y los moriscos?
6. Los cristianos estaban fascinados por el arte.....
empezando por los propios....
7. El arte mudéjar, ¿es una mera copia del arte cristiano y del islámico? Razona tu respuesta.
8. ¿Fue el mudéjar el "capítulo final del arte de Al-Andalus"?
9. ¿Qué eran los "alcázares"?
10. Causas de la difusión del arte mudéjar...
11. ¿Desde que localidad se difundió el arte gótico-mudéjar?
12. El arte mudéjar fue un estilo netamente....
13. ¿Qué fue el estilo Neo-mudéjar? Se dió en la época de....

Y dos espléndidas presentaciones sobre el arte mudéjar:
De Sergi Sánchez
De Tomás Pérez (Tomperez)
Y varios enlaces de la maravillosa web de enseñ-arte sobre Arte Mudéjar.

domingo, 10 de enero de 2016

ARTE TRANSPARENTE. LA TALLA DE CRISTAL EN EL RENACIMIENTO MILANÉS



La impresionante exposición del Museo del Prado "Arte transparente. La talla de cristal en el Renacimiento milanés" tiene como objetivo dar a conocer las artes decorativas renacentistas, en particular el arte del cristal.
Comisariada por la experta en esta materia, doña Letizia Arbeteta, esta exposición muestra ejemplos de fondos pertenecientes al Tesoro del Delfín -parte de la herencia de Felipe V de Borbón-  así como a dos de las colecciones históricas más relevantes: la de los Médici, conservada en el Museo degli Argenti de Florencia, y la de Luis XIV, en el Museo del Louvre de París.
Sobre esta exposición, nos informa el Museo del Prado:
"Desde mediados del siglo XVI, varios artistas y talleres de la ciudad italiana de Milán destacaron en la talla del cuarzo hialino o cristal de roca, un mineral de gran transparencia, y crearon obras maestras difícilmente superables, que gozaron de la común admiración de sus contemporáneos y de una valoración económica en ocasiones muy superior a la de grandes creaciones de la pintura de su época. Estas obras, talladas algunas de ellas en las variantes del cuarzo ahumado o cuarzo citrino, presentan además ricas guarniciones metálicas decoradas con esmaltes, perlas y piedras preciosas, cuya función principal era la de ocultar las uniones de las diferentes piezas de cristal. Los motivos que las adornan se pueden considerar reflejo del pensamiento renacentista y tardo renacentista y llegan incluso a interpretar visualmente asuntos esotéricos y mágicos.
Los temas preferidos son los inspirados en la Antigüedad, principalmente en las Metamorfosis de Ovidio, así como las historias relacionadas con el agua y el vino, que podían incluir pasajes religiosos, todo ello magistralmente elaborado y enriquecido con una fuerte carga simbólica y teórica.
Es difícil atribuir estas obras a un autor determinado porque muy pocas están firmadas y varias personas intervenían en las distintas fases de su creación. Junto a unos pocos artistas individuales, como los muy valorados Francesco Tortorino o Annibale Fontana, dos fueron los principales talleres: por un lado el de los Miseroni, seis generaciones de artistas especializados en la talla del cristal, creadores de originales mezclas de elementos orgánicos y formas clásicas, rozando lo abstracto; y por otro lado el de los Sarachi, familia especializada en vasos de gran calidad y con forma de animales fantásticos. Grandes señores, tanto milaneses como forasteros, frecuentaban la casa y el taller de los Sarachi, pues los consideraban inventores de estimadísimas bizzarrie o rarezas maravillosas "que asombran a los inteligentes que las contemplan". Ambas familias trabajaron para las grandes cortes europeas como Madrid, Viena, Praga, Mantua, Florencia, París o Múnich". (...)



Karel Skréta (1610-1674), La familia Miseroni en su taller, 1653. Praga, Národní galerie. Fuente de la imagen: www.praha.eu

Se agradece que a la entrada de la exposición haya un servicio de préstamo gratuito de tabletas electrónicas en las que podemos documentarnos con todo detalle de las obras expuestas en esta exposición, analizadas, además en su contexto histórico-cultural.
Algunas imágenes presentes en "Arte transparente. La talla de cristal en el Renacimiento milanés:



Taller de los Sarachi, con posible diseño de Annibale Fontana (1540-1587). "Fuente con la historia de Hermafrodito y camafeos de los Doce Césares", 1570-80. Madrid, Museo Nacional del Prado.


Taller de los Sarachi (?), Vaso en forma de dragón o "caquesseitao" finales del siglo XVI. Madrid, Museo Nacional del Prado.

En esta excepcional pieza aparece una figura  toracata, es decir, vestida con la coraza militar, en una escena de caza.




Vaso de la Montería, Francesco Tortorino, c. 1550-75. Madrid, Museo Nacional del Prado.


Más información:










Fuente de documentación e imágenes: Museo del Prado

domingo, 8 de noviembre de 2015

ÁNFORA "APOLO Y DIONISO" DEL CERAMISTA ANDÓCIDES Y DEL PINTOR PSIAX


¡Saludos!

La cerámica griega es uno de los grandes capítulos artísticos de la civilización helena.
La casi total desaparición para la posteridad de la gran pintura mural griega ha reservado a la  cerámica de la antigua Grecia una gran importancia, pues junto con el mosaico -otro invento griego aunque sus antecedentes se sitúan en Mesopotamia- nos permiten informarnos de cómo serían aquellas obras.
Aparte de la pintura cretense, en las tumbas de Paestum (Magna Grecia) se han conservado los ejemplos más relevantes de pintura mural griega:

Pintura mural, tumba de Paestum, Magna Grecia. Siglo V antes de Cristo. Es uno de los ejemplos más fascinantes conservados de pintura griega. Fuente de la imagen: Wikipedia.


Escena de "simposio" o banquete, Paestum, siglo V antes de Cristo. Fuente de la imagen: Wikipedia



Todas las ciudades griegas fabricaron vasos cerámicos a lo largo de los siglos. Por cierto, las piezas cerámicas se denominan en español "vasos" del mismo modo que en inglés son consideradas "vase" y en francés "vase" (con obvias pronunciaciones diferentes en esos idiomas aunque la grafía sea la misma).
Algunos centros alfareros adquirieron tal maestría en la creación de productos refinados y de alta calidad que lograron un lugar preeminente en la historia artística del mundo antiguo: fue el caso de Atenas, Corinto, Laconia, Mileto, la Magna Grecia… Algunas de estas producciones, protegidas e impulsadas por los gobernantes de sus ciudades, alcanzaron un volumen casi industrial y convirtieron la fabricación y exportación de vasos cerámicos en un rentable negocio. La cerámica griega se exportó por todo el Mediterráneo, desde el Oriente Próximo al Atlántico y desde el Mar Negro al Sur de Egipto. Culturas muy diferentes adquirieron estos vasos y los dotaron de nueva vida, a veces similar a la que tuvieron en Grecia, pero normalmente ajena a sus funciones y significados.
La península ibérica nos ofrece una rica ilustración de este proceso. Desde el siglo VIII antes de Cristo hasta el IV antes de C.  llegaron, a través del comercio fenicio o del griego, vasos de diferentes fábricas. El mundo ibérico transformó su uso en hábitats y necrópolis. Así, la crátera, el vaso ateniense del simposio, se utilizó como urna funeraria. La acumulación de vasos e imágenes griegas se convirtió en un signo de prestigio social.


 Mapa de la antigua Grecia formada por Grecia continental e insular, Asia Menor y Jonia y Magna Grecia. También se expansionarán por el resto del Mediterráneo colonizando la costa levantina española (Ampurias, etc.). Fuente de la imagen:http://web.educastur.princast.es/proyectos/jimena/pj_isabelan/doc/grecia.htm

Ceramistas y pintores trabajaron juntos en el mismo taller. Siglos después, en el Renacimiento italiano, encontraremos esta confluencia entre los pintores y los ceramistas trabajando conjuntamente.
En las grandes ciudades como Atenas o Corinto, los talleres se concentraban en determinados barrios como el llamado Cerámico de Atenas y reunían a un gran número de artesanos, maestros y aprendices. En algunos vasos griegos aparecen las firmas de alfareros y pintores. Los alfareros utilizaban la fórmula “ha hecho” y los pintores “ha pintado”. Pero más frecuentemente, son los alfareros y pintores anónimos a quienes los investigadores denominan con nombres convencionales, bien con el de un personaje representado en uno de sus vasos -Pintor de Aquiles-, con el de la ciudad donde se conserva una de sus obras -Pintor de Madrid- o por uno de sus rasgos estilísticos -Pintor Manierista-.


                
                      Firma del famoso pintor Sófilos: Sófilos me pintó. Fuente de la imagen: Wikipedia


    
                                  Firma del pintor de cerámica Amasis: Amasis me hizo. Fuente de la imagen: Wikipedia.

En el apasionante y didáctico MUSEO ARQUEOLÓGICO NACIONAL (Madrid) podemos contemplar una excelente colección de cerámica griega que abarca todas sus etapas, desde el periodo prehelénico hasta la época helenística.
Una de los vasos más valiosos conservados es este ánfora del año 510 antes de Cristo realizada por el ceramista Andócides y el pintor Psiax:


               Ánfora del ceramista Andócides y del pintor Psiax. Cara de Apolo. Fuente de la imagen: Museo Arqueológico Nacional.

La técnica de FIGURAS ROJAS SOBRE FONDO NEGRO se cree que fue inventada por un pintor cerámico del Ática (la región de Atenas) llamado Psiax, al que se le llama PINTOR DE ANDÓCIDES porque solía trabajar con el ceramista ANDÓCIDES. Andócides habitualmente firmaba sus obras, algunas de las cuales se conservan en el Museo Arqueológico Nacional (Madrid). 
El ceramista Andócides y el pintor de cerámica Psiax realizaron vasos de estilo “bilingüe”: son aquellas que presentan por una cara figuras rojas sobre fondo negro y por otra figuras negras sobre fondo rojo. Este tipo de vasos, que surgieron en el siglo VI a de C, son valiosísimos. 
Este ánfora, por lo tanto, responde al estilo denominado "bilingüe" ya que está realizado con estas dos técnicas decorativas. Está firmada por el ceramista Andócides en el pie del vaso.
Presenta una refinadísima ornamentación distribuida en frisos o bandas de  de carácter vegetal enmarcando las escenas así como ramas de hidra decoran las asas.
En una cara se representa al dios de la razón, las artes, la belleza y el orden: Apolo, realizado con figuras rojas sobre fondo negro. En su cara opuesta encontramos a Dioniso, dios del vino, la desmesura y lo irracional.



            Ánfora del ceramista Andócides y del pintor Psiax. Cara de Dioniso. Fuente de la imagen: Museo Arqueológico Nacional.

De esta manera, se establece una oposición  entre dos personajes antagónicos, lo apolíneo y lo dionisíaco, entre la razón y la emoción.
Apolo aparece tocando la cítara, como es habitual en él, acompañado por los dioses Leto, Ares y Artemis. Dioniso, en cambio, se muestra con su cortejo de sátiros y ménades.
En definitiva, razón frente a emoción; armonía, reflexión y moderación, frente a exaltación y exceso; equilibrio y medida frente a pasión y desmesura. 
La razón y la emoción se convertirán en estos momentos en objeto del debate filosófico. Por ello nadie mejor que Apolo y Dioniso para personificarlas.


FUENTE DE DOCUMENTACIÓN sobre la cerámica: fundamentalmente la visita al Museo Arqueológico Nacional y a la conferencia "Pieza del mes de noviembre 2015: "El pensamiento lógico. Ánfora griega con Apolo, dios de la razón", MAN, Madrid.

PARA SABER MÁS: en la web del MAN