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Este blog educativo está dedicado a la Historia del Arte en general, y a la Historia de las Artes Decorativas y el Diseño en particular. Apuntes de Fundamentos del Arte I y II. Resúmenes de Historia de la Indumentaria. Cine en el Arte, Arte en el Cine. Todos los textos han sido escritos por la autora del blog, Ana Galván Romarate-Zabala. Si los utilizas, cita las fuentes. Todas las imágenes contenidas en esta web tienen exclusivamente una intencionalidad didáctica. Si alguna imagen empleada vulnera derechos de autor, puede solicitar la retirada del material que considere de su propiedad intelectual. El contenido de mis artículos puede ser descargado libremente, pero por favor, cite la procedencia. Imagen que encabeza el blog: Un Bar aux Folies Bergère, Édouard Manet, c. 1882. Courtauld Institut, Londres. Fuente de la imagen: Wikimedia Commons. Public Domain

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jueves, 15 de diciembre de 2022

SURREALISMO, RECURSOS EN RED




El Surrealismo fue un movimiento de vanguardia artístico-literario surgido en Francia a partir del Dadaísmo, en el primer cuarto del siglo XX. En concreto, fue fundado en 1924 en Paris. 

El grupo surrealista en 1930: Tristan Tzara, Paul Éluard, André Breton, Jean Arp, Salvador Dalí, Yves Tanguy, Max Ernst, René Crevel y Man Ray.


Mediante Manifiestos, esto es, textos de carácter reivindicativo, muy usuales en el arte de vanguardia, expusieron su ideario estético. Su punto de partida fue la publicación del “Primer Manifiesto Surrealista” por el escritor francés André Breton.  


En principio era un movimiento de y para escritores, pero de inmediato se vislumbraron las enormes posibilidades que tenían para la pintura y la escultura. Pronto se distinguieron dos modos de hacer arte surrealista. 
El arranque predominantemente literario del surrealismo explica la total ausencia de un código o fórmulas plásticos. Así, el surrealismo artístico no tenía ninguna técnica precisa, no posee unidad formal. De una parte, los pintores que seguían defendiendo el automatismo  como mecanismo libre de la intervención de la razón; entre los más destacados están Joan Miró y André Masson. 

Joan Miró, el carnaval del arlequín, 1924
El pintor surrealista André Masson en su taller de Aix, 1952
De otra, cada vez adquirió más fuerza la opinión de quienes creían que la figuración naturalista podía ser un recurso igual de válido. Es el caso de Salvador Dalí, René Magritte, Paul Delvaux o Yves Tanguy. 

René Magritte, Les compagnons de la peur, 1942
Paul Delvaux, la ventana, 1936
René Magritte, los amantes, 1928
Salvador Dalí,  el mercado de esclavos, 1940. En esta imagen doble se aprecia el busto de Voltaire
Los surrealistas, en líneas generales, fueron un grupo compacto y dogmático, capitaneado por el escritor André Breton. Crearon revistas surrealistas como “Minotauro” o “La revolución surrealista” donde se publicaban textos, dibujos, fotografías…… 

Interior de la casa de André Breton en la que podemos apreciar su colección de arte africano y surrealista
El Surrealismo trataba de plasmar el mundo de los sueños, del subconsciente y la imaginación que escapan a la razón humana. Así, presentaban una clara influencia de las doctrinas de Freud y sus teorías del psicoanálisis. 
Los surrealistas reivindicaban el azar o la sorpresa, sin ninguna intención de crear cosas bellas o morales. 

Detalle de El jardín de las delicias de El Bosco, 1500

Detalle de la representación manierista del verano realizada por el pintor italiano  Arcimboldo. Este pintor, el Bosco, Goya o el metafísico Giorgio de Chirico fueron referentes esenciales para los artistas surrealistas

Se les considera los nuevos “románticos” ya que el Surrealismo vendría a ser como una herencia última del Romanticismo (componentes literarios, imaginativos, valoración de la libertad absoluta). Pero el Surrealismo fue también heredero del Dadaísmo: la actitud polémica frente a la realidad, la actitud de unir arte con vida, etc.
El Surrealismo presenta múltiples influencias: el pintor El Bosco (pintor flamenco 1450-1516), el manierista Arcimboldo, o la pintura metafísica italiana (se desarrolla entre 1911-15 y su máximo representante es Giorgio de Chirico). 
Giorgio de Chirico, canción de amor, 1914

El arte surrealista investigó nuevas técnicas, como el frottage (dibujos compuestos por el roce de superficies rugosas contra el papel o el lienzo), la decalcomanía (aplicar gouache negro sobre un papel el cual se coloca encima de otra hoja sobre la que se ejerce una ligera presión, luego se despegan antes de que se sequen), el cadáver exquisito (en la cual varios artistas dibujaban las distintas partes de una figura o de un texto sin ver lo que el anterior había hecho pasándose el papel doblado) o la pintura automática. También se interesaron por la expresión de colectivos a los que apenas se había prestado atención en el pasado. El arte de los pueblos primitivos, el arte infantil, el de los dementes, etc. fue revalorizado desde entonces. 

Decalcomanía realizada por Oscar Domínguez con Marcel Jean: El león-la ventana, 1936. Gouche sobre papel

Etapas del Surrealismo: La duración del Surrealismo es muy extensa, desde 1924 hasta el final de la Segunda Guerra Mundial. En una primera etapa, durante los años 20 se va configurando el movimiento: se celebra la primera exposición surrealista en París en 1925. Breton se adhiere al partido comunista.   En 1929 Breton publica el Segundo Manifiesto Surrealista. 
Durante una segunda etapa, en los años 1930, el movimiento se extendió más allá de las fronteras francesas.  
En 1938 tuvo lugar en París la Exposición Internacional del Surrealismo que marcó el apogeo de este movimiento antes de la guerra. Participaron entre otros, Marcel Duchamp, Dalí, Man Ray y Óscar Domínguez. 
La capacidad de promoción del Surrealismo fue excepcional, se celebraron exposiciones en todo el mundo. El surrealismo se difundió por toda Europa (Bélgica, España, Yugoslavia, Inglaterra, Checoslovaquia...), incluso por Japón. 

Fotogramas de la magnífica película de Alfred Hitchcock Recuerda, con decorados surrealistas de Dalí, 1945
Una tercera etapa coincide con el estallido de la Segunda Guerra Mundial, ya que casi todos los miembros del grupo se trasladan a Estados Unidos, donde siembran el germen para los futuros movimientos americanos de posguerra (expresionismo abstracto y el Pop Art).
En la vertiente cinematográfica, el surrealismo dio lugar a magníficas obras, como La estrella de mar (1928), de Man Ray. Luis Buñuel, en colaboración con Dalí, realizó las obras más revolucionarias: Un perro andaluz (1928) y la edad de oro, (1930). Alfred Hitchcock y Salvador Dalí colaboraron cuando el primero encargó al artista catalán parte de la escenografía de Recuerda.
El Surrealismo penetró la actividad de muchos artistas europeos y americanos en distintas épocas. PABLO PICASSO se alió con el movimiento surrealista en 1925; Breton declaraba este acercamiento de Picasso calificándolo de «...surrealista dentro del cubismo...».


Pablo Picasso, el sueño, 1932. En esta espléndida obra, Picasso retrató a su amada Marie-Thérese Walter
El Surrealismo es, junto al Cubismo, la vanguardia en la que la presencia de artistas españoles es más notoria. Joan Miró , Salvador Dalí y Oscar Domínguez, entre otros, son figuras claves en este movimiento.
El artista más célebre de esta corriente fue el catalán SALVADOR DALÍ (1904-1989). De personalidad compleja, megalómano, genial publicista de sí mismo, puede ser considerado también como un precursor de las performances de finales del siglo XX. Creó el método “paranoico-crítico”  y lo aplicó a la pintura, elaborando de modo sistemático cuadros con varias imágenes superpuestas. Su técnica naturalista, de “buena cocina”, mostraba influencias de grandes pintores, desde El Greco, Velázquez hasta Goya. Paradójico y genial siempre, no abandonó nunca su capacidad de provocación que denota su adhesión permanente a las vanguardias. 
Dalí aportó al surrealismo el componente autobiográfico de sus obras, y su calidad técnica, muy superior a los demás surrealistas y una riqueza de imágenes infinitamente superior, que procede en gran parte del catálogo casi infinito que le proporciona la historia del arte (“imágenes dobles”…). 
Fue importantísima también su labor como escritor, diseñador de joyas, decorador, escenógrafo, etc. 
Los últimos quince años de su vida están jalonados por el reconocimiento nacional e internacional a toda su producción. Así, en 1974 se inaugura el Teatro-Museo Dalí en Figueras (Cataluña). En 1982 se inaugura el Museo Salvador Dalí en St. Petersburg (Florida, Estados Unidos) y el rey Juan Carlos I le nombra Marqués de Púbol. 

Entre sus obras destacamos: Muchacha en la ventana, La persistencia de la memoria, Leda atómica, El enigma sin fin, El gran masturbador…

Dalí, el gran masturbador, 1929
                     
                             Dalí, el enigma sin fin, 1938                                                                                                 

Por último, no podemos dejar de hacer referencia a la influencia que tuvo el SURREALISMO EN CANARIAS, y más concretamente en Tenerife. Allí tienen amplio eco las propuestas del grupo surrealista de Paris. Los surrealistas canarios se aglutinaron en torno a la revista Gaceta de Arte de Eduardo Westerdahl, con pintores como ÓSCAR DOMÍNGUEZ o el propio Westerdahl y un grupo de poetas. En 1935 Breton y Peret viajaron a Tenerife para asistir a la exposición Internacional de Surrealismo, programada por Oscar Domínguez en el Ateneo de Sta. Cruz de Tenerife, con obras de Arp, Dalí, Domínguez, Tanguy, Picasso, etc.


Exposición internacional de Surrealismo en Tenerife en 1935
Hijo de un rico terrateniente tinerfeño, Oscar Domínguez se trasladó a París en 1927, pero no sería hasta 1931 cuando se dedicaría de lleno a la pintura.
En París, entre 1934 y 1940, es un miembro activo del Surrealismo.
Sus mejores trabajos son los del llamado periodo cósmico (a partir de 1937), dominado por el automatismo y por el color azul; sus pinturas recuerdan desastres geológicos, como sucede en Nostalgia del espacio (1939). En sus obras muestra un universo onírico desconcertante, como por ejemplo en la máquina de coser electrosexual (1934). Abundan las referencias isleñas con alusiones concretas a la flora y orografía canarias. Estas visiones mágicas como las que aparecen en El drago (1933) o Cueva de guanches (1935).


Oscar Dominguez, máquina de coser electrosexual, 1934-35


Oscar Domínguez, retrato de Roma
Gran parte del vocabulario pictórico de Oscar Domínguez procede de Dalí, como lo evidencia el recurso frecuentemente utilizado del alargamiento de los miembros y el empleo de figuras protoplasmáticas, aquellas que por efecto del deseo sufren alteraciones en su conformación anatómica, presentando excrecencias gelatinosas y desbordamientos. También es de origen daliniano la imagen paranoica o imagen doble. Sin embargo, y a diferencia del pintor de Cadaqués, el punto de partida de la producción de Oscar Dornínguez no es una sexualidad conflictiva sino el humor y el deseo entendidos ambos como motores de la actividad humana. 
El Surrealismo consideró el humor como una de las formas más eficaces de subversión de la realidad. 
Oscar Domínguez desarrolló en 1936 una técnica automática de gran efectividad, la decalcomanía, consistente en aplicar el pigmento muy diluido sobre el soporte y, a continuación, presionar sobre éste con una superficie rígida, lo que provoca la distribución irregular del pigmento y la consiguiente creación de formas arbitrarias. Si las manchas así generadas no sufren modificación posterior, el procedimiento se denomina decalcomanía sin objeto preconcebido, mientras que si el pintor reinterpreta esas formas y las retoca para acentuar su parecido con determinadas manifestaciones, como pueden ser conformaciones coralinas, arborescencias, etcétera, nos hallamos ante la decalcomanía del deseo. 
El pintor canario demostró ser también uno de los creadores más imaginativos de objetos surrealistas, ámbito de actuación que alcanzó un amplio desarrollo en la década de los años treinta, habiendo participado con en la gran Exposición de Objetos Surrealistas, celebrada en 1936 en París. Los objetos, liberados de su funcionalidad habitual, demostraron que podían convertirse en medios eficacísimos para establecer nuevas relaciones entre el ser humano y el entorno físico en que éste se mueve, al mismo tiempo que posibilitan también la actuación de las potencias del subconsciente. 
A finales de los años treinta la obra de Oscar Domínguez denota un cambio de orientación sustancial, siendo sustituidos los contenidos oníricos y las manifestaciones del subconsciente propias del Surrealismo por visiones de carácter cósmico. A partir de la Segunda Guerra Mundial su creatividad se resintió bajo el peso del influjo picassiano. Sufrió una terrible y dolorosa enfermedad –acromegalia- y finalmente se suicidó.

RECURSOS EN RED
Aparte de los blogs y webs de arte que habitualmente recomiendo y que presentan referencias sobre el Surrealismo, quiero destacar también a algunos museos dedicados a los artistas de este movimiento:

Sobre André Breton.
Sobre Dalí.

jueves, 8 de diciembre de 2022

SONIA DELAUNAY: ARTE, DISEÑO Y MODA


Figura capital de la vanguardia parisina desde los primeros decenios del siglo XX, Sonia Delaunay fue una multifacética creadora y renovadora del arte contemporáneo. No se conformó solo con pintar, y durante 60 años su talento creador abarcó los más variados ámbitos del arte  y el diseño (textil, moda, interiorismo, etc.)
El Museo Thyssen de Madrid le rinde homenaje con una recomendable exposición coincidiendo con el centenario de la primera estancia de la artista en Madrid, "el lugar donde se consolidó su vocación diversa de artista multidisciplinar" como afirma Guillermo Solana en el catálogo de esta muestra.

Los Orígenes de una Artista de Vanguardia

En realidad, Sonia Delaunay se llamaba Sara Elievna Stern y nació en Odessa (Ucrania) en 1885. Por aquel entonces, Ucrania formaba parte del Imperio Ruso.  
Sonia Terk en 1901. Fuente de la imagen: Wikipedia.org
Aunque nació en el seno de una modesta familia de origen judío, fue educada por un tío materno, Henri Terk, desde la más tierna infancia en San Petersburgo. Allí adoptaría el nombre de Sonia Terk y recibiría una esmerada educación, aprendiendo varios idiomas. Siempre se sintió rusa.

El Imperio Ruso circa 1900. Fuente de la imagen: https://pandaartdocents.wordpress.com/2015/12/17/sonia-delaunay/
De vida cosmopolita, vivió en Finlandia, Alemania, España y Portugal,  siempre en contacto con los círculos artísticos de las ciudades donde residían.

Lugares donde vivió Sonia Delaunay. Fuente de la imagen: https://pandaartdocents.wordpress.com/2015/12/17/sonia-delaunay/

Sonia Delaunay en su estudio, c. 1920. Fuente de la imagen: https://nga.gov.au/
De Rusia a París

Sonia Delaunay se estableció en París en 1906 como rusa "émigrée" y pronto se unió a los artistas del París más vanguardista. En sus primeras obras se aprecia la influencia del postimpresionismo (Gauguin), el fauvismo francés y el expresionismo alemán pero siempre teniendo presente la huella del arte ucraniano-ruso, rico en brillante colorido. 

Mujer finlandesa, Sonia Delaunay, 1908. Fuente de la imagen:https://artblart.com/tag/sonia-delaunay-in-front-of-her-door-poem-in-the-delaunays-apartment/
Desnudo amarillo, Sonia Delaunay. 1908. Fuente de la imagen: https://artblart.com/tag/sonia-delaunay-in-front-of-her-door-poem-in-the-delaunays-apartment/


Para no abandonar Francia,  en 1909 se casó por conveniencia con un gran coleccionista y marchante de arte, el alemán Wilhem Uhde (1874-1947). Uhde fue el primer galerista que expuso su obra. Gracias a él, conoció a artistas de vanguardia como Picasso, Braque y Robert Delaunay, con quien contrajo matrimonio en 1910, tras divorciarse amigablemente de Uhde.

Robert Delaunay, Retrato de Wilhem Uhde, 1907.  Uhde apoyó especialmente al arte naif de Henri Rousseau "el Aduanero". Fuente de la imagen: Wikipedia.org.

Sonia Terk y Robert Delaunay, Vidas Paralelas

Robert Delaunay fue un artista excepcional, amor de su vida y compañero de empresas artísticas. 
Ambos habían nacido en el mismo año en lugares muy distintos. Robert era parisino y comenzó su carrera como aprendiz de decorados teatrales.
Se instalaron en París, en la Rue de Grand Augustins de París, calle en la que también vivió Picasso en la II Guerra Mundial en la Francia ocupada por los nazis.
En 1911 nació su único hijo Charles,y a partir de ese momento trabajaron juntos, en comunión total, casi en ósmosis. Esa colaboración extraordinaria no fue óbice para que trabajaran en registros diferentes. 

Orfismo, Simultaneísmo, ¿Art Déco?


Autorretratos realizados respectivamente por Robert y Sonia Delaunay.
Desde 1905, Robert y Sonia Delaunay crearon los fundamentos para un arte nuevo: figuran entre los pioneros de la pintura abstracta. De hecho, Sonia fue una de las primeras cultivadoras de este tipo de arte. 
Robert, interesado hacia 1906-07 por las teorías neo-impresionistas, empezó a investigar la ley del contraste simultáneo de los colores, descubierta científicamente por Chevreul. 
En 1909, Robert Delaunay, después del "carnaval" de sus cuadros fauves, optó por la "cuaresma" del cubismo (así denominaba Eugenio D´Ors el paso del fauvismo a la vanguardia creada por Picasso y Braque) y por la austeridad, casi monocromismo en algunos cuadros (como por ejemplo la serie de pinturas de Saint Séverin de París).  En 1912, Robert empezó su serie de fenêtres (ventanas), interesándose cada vez más por los problemas del color y la luz.

Robert Delaunay, Torre Eiffel, 1911. Fuente de la imagen: fr.wikipedia.org
Robert Delaunay, Les fenêtres simultanées sur la ville (Ventanas simultáneas sobre la ciudad), 1912. Fuente de la imagen: fr.wikipedia.org

Las investigaciones de ambos culminaron hacia 1912 en el Simultaneísmo, esto es, es la exploración basada en el color y la forma, creándose contrastes simultáneos de imágenes abstractas y expresivas. Combinaban colores primarios y secundarios (rojo con verde, amarillo con púrpura y azul con naranja) con la finalidad de obtener vibraciones visuales. Este movimiento fue denominado por el poeta Guillaume Apollinaire como Orfismo, una derivación del cubismo en el que se reintroducía el color.
Los Delaunay se interesaron por temas de la vida urbana y moderna -bailes, retratos, anuncios luminosos-. Buscaban el dinamismo, inundando los cuadros de vibrante colorido y horror vacui. En cierto sentido, fue un precedente del arte cinético. 

Sonia Delaunay buscaba el arte total, quiso aplicar el simultaneísmo a la vida cotidiana, a los diseños textiles, los libros y la decoración de interiores con un estilo cercano al Art Déco, por su geometrismo, líneas en zig zag,  etc.

Algunos ejemplos del arte simultáneo de los Delaunay:

Sonia Delaunay, El Bal Bullier, 1913. Este cuadro es un ejemplo perfecto del orfismo. Por lo demás, el Bal Bullier era un lugar donde iban los jueves a bailar en el Boulevard  Saint-Michel de París. Allí se reunían con escritores y artistas de vanguardia.


Sonia Delaunay, La Prose du Transsibérien et de la petite Jehanne de France, 1913.  Fuente de la imagen: fr.wikipedia.org 
En la Prosa del Transiberiano combina la novedad tipográfica con una decoración en forma de bandas absolutamente abstractas, que nos evoca el agradable movimiento del tren. En este espléndido libro conviven un largo poema de Centrars y los colores simultáneos de la pintora.


Sonia Delaunay, La Prose du Transsibérien et de la petite Jehanne de France, 1913. Fuente de la imagen:https://pandaartdocents.wordpress.com/2015/12/17/sonia-delaunay/

Sonia Delaunay, Prismas eléctricos, 1914. Fuente de la imagen: http://www.theartstory.org/artist-delaunay-sonia-artworks.htm#pnt_5
Gran flamenco, Sonia Delaunay, 1916. Fuente de la imagen:https://es.pinterest.com/pin/443745369514928854/
Sonia Delaunay, Naturaleza muerta portuguesa, 1916. Fuente de la imagen:http://www.hoyesarte.com
Sonia Delaunay, Naturaleza muerta. Viajes lejanos, 1937. Fuente de la imagen:http://www.hoyesarte.com




Sonia Delaunay, Ritmo, 1938. Fuente de la imagen:http://www.theartstory.org/artist-delaunay-sonia-artworks.htm#pnt_5




Sonia Delaunay, Rythme couleur, 1964. 
Fuente de la imagen:http://www.hoyesarte.com


Robert Delaunay, Mujer portuguesa, 1915. Fuente de la imagen: fr.wikipedia.org. 
Robert Delaunay, Relief-disques, 1936. Fuente de la imagen: fr.wikipedia.org
Retrato del poeta Philippe Soupault, Robert Delaunay, 1922. Fuente de la imagen: https://es.pinterest.com/explore/philippe-soupault/


La alegría de vivir, Robert Delaunay, 1930. Fuente de la imagen:http://www.malagahoy.es/ocio/Pompidou-Philippe-Starck-Daniel-Buren_0_1090990949.html
Retrato de Madame Mandel, Robert Delaunay, 1923. Fuente de la imagen: https://es.pinterest.com/ccmfarrow/art-sonia-and-robert-delaunay/?lp=true
Retrato de Tristan Tzara, Robert Delaunay, 1923. Fuente de la imagen: http://www.wikiwand.com/es/Tristan_Tzara
Retrato de Madame Heim, Robert Delaunay, 1926-27 Fuente de la imagen: http://www.visimuz.com/delaunay-heim/

España, Portugal, Francia

Unas vacaciones en Fuenterrrabía en 1914, están en el origen de la primera estancia española de los Delaunay. La declaración de la I Guerra Mundial les anima a permaner en España. A finales de ese año se instalan en Madrid. Agobiados por el calor, y tras una visita de Robert a Lisboa, durante el verano de 1915 se trasladan a Portugal. Allí ambos pintan los temas populares del país: los mercados, las telas, la vegetación, la cerámica, etc. Fueron los años más felices de la vida de Sonia, según cuenta en sus memorias.
A finales de 1917 regresan a España. Viven una semanas en Barcelona y allí se enteran del estallido de la Revolución Rusa, con la que desaparecen las rentas de Sonia. Vuelven a Madrid. Sonia redescubre su vocación con nuevos bríos. Acuciados por la penura económica, lo que había sido algo casi anecdótico en su producción artística -la decoración de interiores y el diseño de moda- se convierte en una necesidad. En 1918 creó con cierto éxito su boutique "Casa Sonia" en la Calle Columela número 2 de Madrid, especializada en interiorismo y  moda.También vendía sus diseños en la calle Barquillo de Madrid.



Conocen a Sergi Diaghilev y al Marqués de Valdeiglesias. A través de ellos conectan con artistas y aristócratas españoles. Estos últimos seran sus principales clientes. 

Las hijas de los marqueses de Urquijo con diseños de Sonia Delaunay (vestidos y sombrillas), Madrid, 1919.  Fuente de la imagen: http://thecostumeblog.blogspot.com.es

Pronto vende sus diseños también en Bilbao y San Sebastián. 
Por aquellos años expuso en el Majestic Hall de Bilbao (1919) y en el Salón Mateu de Madrid (1920) así como una muestra conjunta con Robert en la Asociación de Artistas Vascos de la capital vizcaína (1919).


La boutique simultané de Sonia Delaunay en París. Fuente de la imagen: https://es.pinterest.com/pin/447193437983036967/

La boutique simultánea de Sonia Delaunay, Paris, 1925. Fuente de la imagen: http://pinkpagodastudio.blogspot.com.es/2011/06/

"Casa Sonia" fue un precedente de la "Boutique Simultané" que creó en París en los años 20 (1924-1931).  Esta tienda era del mismo estilo de las de los diseñadores más afamados de la época como Paul Poiret. 
Recordemos que volvieron a París hacia 1920-1921 y allí se establecieron definitivamente. 
En 1923 vendía sus diseños textiles simultáneos a una fábrica de seda de Lyon y en 1924 creó un taller para imprimir telas y producir vestidos y echarpes. En 1929 tuvo que cerrar su negocio por la crisis económica, centrándose a partir de entonces en el diseño de tejidos que realizaba para los grandes almacenes holandeses Metz &Co. Hasta los años 50 compaginó esta actividad con la pintura.

En 1937 ambos realizaron uno de sus obras de mayor alcance, unos murales sobre la aeronáutica y el ferrocarril en la Exposición Internacional de París. Robert poco tiempo después murió de una forma casi repentina y Sonia se refugió en Grasse (sur de Francia) donde vivirá con el matrimonio Arp hasta 1944 que vuelve a París. Seguirá trabajando en la línea del simultaneísmo abierta por los dos. En los años 50 expuso sus pinturas en Europa y América y en 1964 fue la primera mujer artista a la que el museo del Louvre de París le dedicó una retrospectiva.


Cartel de la Exposición Internacional de París de 1937. Fuente de la imagen: http://catalogo.artium.org/dossieres/4/guernica-de-picasso-historia-memoria-e-interpretaciones/el-pabellon-espanol-de-la-exposi



Propeller (Air Pavillion), Sonia Delaunay, 1937.Fuente de la imagen:https://artblart.com/tag/sonia-delaunay-in-front-of-her-door-poem-in-the-delaunays-apartment/

Sonia Delaunay, Diseñadora Textil y de Moda

Aunque Sonia pintaba sobre lienzo, algunos de sus proyectos más interesantes están hechos en tela. Fue una consumada diseñadora, una artista enamorada del color.
Sus creaciones textiles y sus diseños de moda, aunque han sido calificadas como simultáneas, pues son traslación de su pintura a otros diseños, también pueden ser encuadradas dentro del Art Déco. No en vano ella participó en la mítica exposición internacional de Artes Decorativas de París de 1925 que dio nombre a ese estilo. Su apariencia con el corte de pelo Bob o a lo "garçonne", sus vestidos geométricos y muy esteticistas... nos muestran su filiación con ese estilo francés. Como Mariano Fortuny o Coco Chanel, desterró por siempre el corsé de la vestimenta femenina. 
Refleja con sus diseños el nuevo paradigma de mujer de la época, moderna y hasta cierto punto, liberada. Apollinaire señalaba que Sonia Delaunay con sus vestidos simultáneos parecía una "pintura viviente" o  "una escultura de formas vivas".
Sus modelos influyeron en creadores como la italiana Schiaparelli, o el francés Jean Patou. 

Su clientela pertenecía a la élite adinerada europea (aristócratas y alta burguesía) y  a celebridades de la talla de la actriz Gloria Swanson, para quien en 1923 diseño un abrigo. Entre sus clientes descuella el arquitecto -y modelo para el villano de James Bond- Ernö Goldfinger, y las esposas de Walter Gropius, Marcel Breuer y Erich Mendelsohn. También la fascinante Nancy Cunard.
Sonia Delaunay en su apartamento de la calle Malesherbes de París, 1924. Fuente de la imagen: tate.org.uk

Sonia Delaunay con uno de sus diseños al más puro estilo flapper de los Locos Años 20.




Sonia Delaunay con dos amigas en el estudio de Robert Delaunay en la calle de Grands-Augustins de París. 1924. Fuente de la imagen:http://www.tate.org.uk/context-comment/articles/love-friendship-rivalry-delaunays-circle
                           Sonia Delaunay, Tres vestidos para niñas, 1920.


Diseños textiles de Sonia Delaunay de los años 20 y 30


                  Sonia Delaunay, Vestidos simultáneos (Tres mujeres, formas, colores), 1925. Fuente de la imagen: Museo Thyssen.


Vestidos simultáneos, Sonia Delaunay, 1925. Fuente de la imagen:
https://fr.pinterest.com/pin/513973376202671550/

Sonia Delaunay, Vestido Simultáneo, 1913. Fuente de la imagen: http://sandrachiricocouture.weebly.com/blog/-sonia-delaunay-textile-artist


Design 1044, Metz & Co. (1931). Fuente de la imagen: http://www.theartstory.org/artist-delaunay-sonia-artworks.htm#pnt_5



Vestido de seda, Sonia Delaunay. Colección privada, Alemania. Fuente de la imagen:http://www.mujerhoy.com/vivir/ocio/201706/27/sonia-delaunay-arte-pret-20170627135028-p.html

Diseños de trajes de baños de Sonia Delaunay (años 20)
Diseños de zapatos, Sonia Delaunay, años 20. Fuente de la imagen:http://onewaystreet.typepad.com/one_way_street/2015/04/sonia-delaunay-and-the-avant-garde-shoes.html


Vestidos-Poemas

A Sonia Delaunay le encantaba la poesía. En los años 20 diseñó varios vestidos-poemas basados en los escritos del poeta dadaísta Tristan Tzara y del autor surrealista Joseph Delteil. 
El escritor Philippe Soupault le dedicó varios poemas a sus trajes simultáneos y también escribieron sobre ellos Apollinaire, Ramón Gómez de la Serna, Guillermo de Torre... Y es que Sonia consideraba que la poesía circulaba a través de todas las creaciones del arte.
Sonia Delaunay colaboró con el poeta Blaise Cendrars (el libro del Transiberiano) y él le dedicó este bello poema:
Sobre la ropa ella tiene un cuerpo.
Y sobre la cadera, la firma del poeta.


Vestido-Poema, Sonia Delaunay, 1922. Fuente de la imagen: https://es.pinterest.com/triskelion/sonia-delaunay/?lp=true


Vestido-Poema, Sonia Delaunay, 1923. Fuente de la imagen: https://es.pinterest.com/pin/183310647309684224/


Vestuario para Ballets y Otros Espectáculos
En 1917, en Madrid, los Delaunay conocieron a Sergei Diaghilev, el empresario de los míticos Ballets Rusos. Entablaron amistad con él así como con el bailarín y coreógrafo Massine y los músicos Stravinsky y Manuel de Falla. Diaghilev pretendía contrartarlos para que trabajaran permanentemente para los ballets rusos en lugar de Natalia Gontcharova y Larionov.
En 1918 realizaron una colaboración juntos: rediseñaron el vestuario (Sonia) y la escenografía (Robert) del ballet dramatizado "Cleopatra" ya que los diseños originales realizados por León Bakst en 1909 se habían perdido (quemados). 

Sonia Delaunay -de izquierda a derecha- acompañada por Robert Delaunay, Boris Kochno, Igor Stravinsky, Serge Diaghilev, el compositor español Manuel de Falla y Randolfo Barocchi. Madrid, 1921. Fuente de la imagen:https://es.pinterest.com/pin/368802656961512570/





Diseños de Sonia Delaunay para Cleopatra, Ballets Rusos de Diaghilev, 1918. La actriz que lleva el diseño original es Lubov Tchernicheva. Fuente de la imagen: http://tmlarts.com/robert-delaunay/

Diseño de Sonia Delaunay para el Ballet Cleopatra, 1918-1930. Fuente de la imagen:   https://nga.gov.au/

Diseño de Sonia Delaunay para  el Ballet Cleopatra (Ballets Rusos de Diaghilev)  Fuente de la imagen: https://artsearch.nga.gov.au

Estos diseños fueron realizados con vivos colores en algodón y decorados con motivos ornamentales en satén, terciopelo y apliques metálicos. 
Este espectáculo se reestrenó en Londres en 1918.
Más diseños de "Cleopatra" en la web del  
Museo Victoria & Albert.

Sonia realizó otros proyectos como el vestuario para la ópera "Aida" en el Liceo barcelonés.




Vestuario de Pierrot-Éclair diseñado por Sonia Delaunay para el film Le P´tit Parigot, 1926. Fuente de la imagen: tate.org.uk

Sonia Delaunay y la Decoración de Interiores

El diseño de moda e interiores van ineludiblemente unidos en Sonia Delaunay. Sus proyectos, de una modernidad increíble,  nos reflejan el espíritu de la época, marcada por las vanguardias (Cubismo, Bauhaus, Futurismo, Surrealismo, etc.) y el Art Déco.



Diseños textiles de Sonia Delaunay en las paredes del salón de su casa, 1925. Sonia Delaunay supo conjugar a la perfección el diseño de moda con el de interiores. Fuente de la imagen: tate.org.uk



Dining room designed by Sonia Delaunay. Madrid, 1918-1920.
Photo: Bibliothèque Nationale de France. Fuente de la imagen: http://thecostumeblog.blogspot.com.es



El teatro Petit Casino de Madrid decorado por Sonia Delaunay en 1919. Fuente de la imagen: Museo Thyssen


Escena de interior, Sonia Delaunay, 1922. Fuente de la imagen:  http://grofouillis.canalblog.com/archives/2014/10/26/30836945.html


Otros Diseños

Coche con diseños de Sonia Dalaunay que podemos contemplar en el Museo del Automóvil de Málaga.

Vestidos simultáneos en un automóvil Citroen B12 diseñado por Sonia Delaunay en 1925. Fuente de la imagen:http://www.hintmag.com/post/sonia-delaunay-tate-modern--april-29-2015-1916

Legado

Sonia Delaunay con algunos de sus diseños. Fuente de la imagen:https://es.pinterest.com/tategallery/pattern-power-sonia-delaunay/
Sonia Delaunay estuvo trabajando hasta el final de sus días. Murió en París en 1979. 
Es gracias a exposiciones como la que actualmente tiene lugar en el Museo Thyssen como se pone en valor y reivindica el papel de artistas clave como Sonia Delaunay, en este caso crucial en el desarrollo de las vanguardias y el diseño del siglo XX y que durante mucho tiempo ha estado eclipsada por la obra de su marido Robert Delaunay. 
Pioneros de la abstracción,  siempre innovando, el legado artístico de ambos es uno de los más impresionantes  de todo el arte y diseño contemporáneo.
Sobre Sonia, Robert Delaunay aseguraba  que a ella debemos este arte nuevo que no copia nada del pasado y que marca nuestra época.

Video "L´élégance" con diseños de Sonia Delaunay (c. 1925)



PARA SABER MÁS


Autobiografía de Sonia Delaunay





Catálogo de la exposición "Sonia Delaunay. Arte, Diseño, Moda", Museo Thyssen, Madrid,  4 de julio-15 de octubre 2017,
Web del Museo Thyssen y documentación adicional

La influencia de Sonia Delaunay en la diseñadora de joyas canaria Helena Rohner


Helena Rohner habla de Sonia Delaunay from museothyssen on Vimeo.


Lorenzo Caprile comenta la exposición de Sonia Delaunay en el Museo Thyssen de Madrid

Lorenzo Caprile habla de Sonia Delaunay from museothyssen on Vimeo.

La exposición de Delaunay en HoyesArte 
Web de la Fundación March
Sonia Delaunay en TheArtStory
Exposición de Sonia Delaunay en la Tate
El impacto de Sonia Delaunay en los diseñadores contemporáneos.