Descripción del blog


Este blog educativo está dedicado a la Historia del Arte en general, y a la Historia de las Artes Decorativas y el Diseño en particular (indumentaria, joyería, cerámica…). Apuntes de Fundamentos del Arte I y II. Cine en el Arte, Arte en el Cine. Todos los textos han sido escritos por la autora del blog, Ana Galván Romarate-Zabala. Si los utilizas, cita las fuentes. Todas las imágenes contenidas en esta web tienen exclusivamente una intencionalidad didáctica. Si alguna imagen empleada vulnera derechos de autor, puede solicitar la retirada del material que considere de su propiedad intelectual. El contenido de mis artículos puede ser descargado libremente, pero por favor, cite la procedencia. Imagen que encabeza el blog: Un Bar aux Folies Bergère, Édouard Manet, c. 1882. Courtauld Institut, Londres. Fuente de la imagen: Wikimedia Commons. Public Domain

lunes, 15 de mayo de 2017

TEMA 11. APUNTES FUNDAMENTOS DEL ARTE I: "ARTE DEL SIGLO XVII: EL BARROCO"

La Venus del Espejo, Velázquez, National Gallery de Londres. Fuente de la imagen: http://albertis-window.com/2013/06/the-slashing-of-velasquezs-the-rokeby-venus/

Detalle El Rapto de Proserpina, Bernini, Museo Galería Borghese, Roma. Fuente de la imagen: http://cultura.biografieonline.it/ratto-proserpina/

sábado, 22 de abril de 2017

ARTE Y CINE: POLLOCK (ED HARRIS, 2000)

Ed Harris caracterizado magistralmente como Pollock en la película de homónimo nombre. Fuente de la imagen: imdb.com


 “Cuando estoy inmerso en mi pintura, no soy consciente de lo que hago. Solo después de pasar un periodo de ‘familiarización’ puedo ver lo que he hecho. No me da miedo realizar cambios, destrozar la imagen, etc. porque la pintura tiene vida propia.” 

Jackson Pollock, 1947–48 

JACKSON POLLOCK  es uno de los artistas más representativas del arte de vanguardia posterior a la II Guerra Mundial. 
Nació en 1912 en Cody (Wyoming), y murió el 11 de agosto de 1956 en East Hampton (Nueva York). Era el quinto de cinco hermanos y sus ancestros eran de origen irlandés y escocés. Tuvo una infancia difícil, su padre abandonó a su familia cuando él tenía solo nueve años. Ya desde pequeño mostró, como dos de sus hermanos también, inquietudes artísticas.
Estudió en una escuela de arte de Los Ángeles y en Nueva York. En la ciudad de los rascacielos se sintió atraído por la pintura de los grandes maestros que pudo contemplar en el Metropolitan y en el MoMA. Estudió pintura mural y se interesó por las obras de los muralistas mejicanos más importantes (Orozco, Rivera, Siqueiros). Trabajó durante buena parte de los años 30, 40 y 50.
La vida y la obra de Pollock fue vertiginosa. De carácter neurótico, violento y autodestructivo, la adicción al alcohol marcará su vida a sangre y fuego: intoxicó sus relaciones –en especial con su esposa la también pintora Lee KRASNER- y propició su muerte en estado de embriaguez en un accidente de coche, donde murió una amiga y también quedó gravemente herida su amante –de tan solo 25 años- el 11 de agosto de 1956. 
En sus inicios luchó con poco éxito para abrirse camino en el mundo del arte. Sufrió privaciones y pobreza, y en apenas unos años pasó de ser un artista casi desconocido a una gran estrella del arte mundial. En ello tuvo mucho que ver Lee KRASNER su fiel y dominante compañera de vida –se casó con ella en 1945-, que creía ciegamente que Pollock era un genio. Le apoyó todo lo que pudo para que triunfase como finalmente así  ocurrió.
En 1943 Jackson Pollock recibió de la “pope” del mundo del arte moderno, la galerista y coleccionista Peggy GUGGENHEIM,  el encargo de crear una pintura para decorar la entrada de su residencia. Se llamaría "Mural", hoy considerada una de las obras clave de su trayectoria. Peggy Guggenheim contribuiría a transformar a Pollock en un artista internacional: en su galería "Art of This Century" de Nueva York le dedicó una exposición monográfica ya en 1943. 
Betty PARSONS, otra influyente marchante neoyorkina, apostó por su obra y paulatinamente, Pollock alcanzó el estrellato en la década de los 50, convirtiéndose en el paradigma del pintor americano de vanguardia. 
Por fin, los Estados Unidos podían medirse con Europa en cuanto a la creación de movimientos vanguardistas. De hecho, después de la II Guerra Mundial, Nueva York “robó” a París la capitalidad del mundo artístico.
Durante la época de la Gran Depresión, los años 30, Pollock realizó murales realistas de gran tamaño y se interesó por el arte de los indígenas norteamericanos. 
En 1939, Pollock visitó a un psicoanalista  para tratar su alcoholismo –que arrastraba desde su adolescencia- y le recomendó que creara dibujos como vía de curación de sus adicciones. Esos dibujos alimentarían sus cuadros.
Hacia 1947 Pollock ya había concretado su técnica innovadora creada a base de cuadros abstractos, con el método del "dripping" o goteo, con el que, andando el tiempo, cosecharía un gran éxito. 
En su edición de Agosto de 1949, la revista LIFE le dedicó un artículo en el que ya se consideraba a Pollock como el más grande pintor vivo de los Estados Unidos.  
Así las cosas, hoy perdura su figura como el máximo exponente del Expresionismo Abstracto americano. 

Pollock en pleno proceso de Action Painting
El Expresionismo Abstracto americano también conocido como ACTION PAINTING (pintura de acción o pintura gestual) forma parte de las Segundas Vanguardias que son las que cronológicamente aparecieron después de la II Guerra Mundial. 
Este corriente pictórica, de gran originalidad y fuerza creadora,  fue fruto de la experiencia común de una serie de artistas –amigos y compañeros- que vivieron en el Nueva York de la década de 1940. Cada uno de ellos tenía un estilo propio y único. A diferencia de lo que ocurrió en los movimientos precedentes del Cubismo y el Surrealismo, el Expresionismo Abstracto no parecía seguir una fórmula fija. Esta diversidad es una celebración de la libertad individual de cada artista para expresarse.
Recordemos que durante la Segunda Guerra Mundial, Nueva York acogió a los artistas, marchantes y críticos de arte europeos que cruzaron el océano huyendo de los regímenes totalitarios. Estos artistas trajeron consigo un nuevo arte que mostraban en galerías y exposiciones, y que también divulgarían ejerciendo la docencia. Así, esta ciudad se convirtió en el caldo de cultivo de nuevas experiencias artísticas. Particularmente relevantes fueron los surrealistas europeos que se establecieron en Nueva York: crearon una colonia poderosa que ejerció mucha influencia en las nuevas generaciones. De ellos aprendieron la primacía del automatismo, la valoración de lo irracional, etc. A esta influencia surrealista, los expresionistas abstractos añadirían las procedentes de filosofías orientales.
Podemos rastrear los orígenes de la abstracción ya desde KANDINSKY, aunque los orígenes remotos son claramente los encontramos en el siglo XIX, en la instantaneidad del romántico William TURNER o en las obras del impresionista Claude MONET, quien por lo demás, fue encumbrado como padre de la modernidad por los jóvenes artistas del triunfante expresionismo abstracto norteamericano y los seguidores de los informalismos europeos. 
Los expresionistas abstractos americanos concedían una gran importancia al color. Algunos artistas hacían hincapié en el gesto y la expresividad emocional –sobre todo Pollock- mientras que otros planteban un discurso más místico y reposado, es la tendencia de los "color fields" (campos de color), representada por Rothko y Newmann entre otros. Entre los pintores del expresionismo abstracto descuellan Jackson Pollock, Franz Kline, Robert Motherwell, Willem de Kooning, Ashile Gorky, Clifford Still, Mark Tobey o Mark Rotko.
Es interesante subrayar que, en plena época de Guerra Fría, para un amplio sector de la élite intelectual del país, el Expresionismo Abstracto representaba el triunfo de la cultura libre sobre la cultura totalitaria, pues se basaba en la libertad absoluta del artista. Por eso, la Agencia Central de Inteligencia americana (CIA) llevó a cabo una sutil maniobra, que convirtió a los expresionistas abstractos en un arma propagandística de la cultura estadounidense contra la soviética, subvencionando su arte incluso a espaldas de los propios artistas . 

El Expresionismo Abstracto se difundió por muchos países, especialmente por Europa donde se la conoció con el nombre genérico de INFORMALISMO y a partir de ahí, se concretará en diversas tendencias como Tachismo (del francés "tache", mancha) o pintura matérica cuando se incorporaron al lienzo otros materiales, como arpilleras, arena, madera, etc. 
En España el INFORMALISMO tuvo un gran desarrollo con grupos como El Paso (Manolo MILLARES, Luis FEÍTO, Martín CHIRINO, etc.) o artistas de la talla de Esteban VIDENTE (pintor español que perteneció a la Escuela de Nueva York y que cuenta con museo en Segovia) o Antoni TÀPIES. 

La fortuna crítica de Pollock ha sido oscilante. Después de unos inicios difíciles, donde a duras penas podía llegar a fin de mes, contó, desde mediados de los años 40 con el apoyo de un elitista círculo del mercado del arte neoyorkino–galeristas, coleccionistas, críticos de arte-. Finalmente, a partir de los años 50 llegaría el éxito internacional, convirtiéndose en uno de los artistas más cotizados del mundo del arte. Su último año productivo de trabajo fue en 1953. 
El impacto y trascendencia de Pollock en la historia del arte ha sido profunda: en los pintores abstractos americanos y europeos de la segunda mitad del siglo XX.  Es un pintor que recuerda a Van Gogh por su vida atormentada y su final trágico.

Entre las obras de Pollock destacan:

"Going West", Pollock, 1934. Fuente de la imagen: WikiArt.com

"Coal Mine", Pollock, c. 1936. Fuente de la imagen:http://www.nga.gov/content/ngaweb/Collection/art-object-page.149214.html

"Mural", Pollock, 1943. Fuente de la imagen: http://commoncurator.blogspot.com.es/2011/02/value-of-jackson-pollocks-mural.html
"Guardians of the Secret", Pollock, 1943. Fuente de la imagen:http://www.jackson-pollock.org/guardians-of-the-secret.jsp


"Composition nº 1, Lavender Mist, 1950", Pollock, 1950. Fuente de la imagen: https://www.nga.gov/content/ngaweb/Collection/highlights/highlight55819.html

En el año 2000 el gran actor Ed Harris interpretó de una forma magistral la figura de POLLOCK en la película de homónimo nombre. Fue también director de la misma.
Junto con Charlton Heston ("El tormento y el éxtasis" sobre Miguel Ángel) y Kirk Douglas ("El loco del pelo rojo" sobre Van Gogh) es dificil encontrar en la historia del cine una interpretación más impresionante sobre un artista. Además, es que en este caso, Ed Harris muestra un gran parecido físico con el personaje que interpreta.


 Jackson Pollock versus Ed Harris. Fuente de la imagen: http://www.nydailynews.com/entertainment/hollywood-double-takes-actors-famous-faces-gallery-1.76789?pmSlide=1.97134




Ed Harris consigue transformarse en un creíble Pollock. Fuente de las imágenes: imdb.com
La película POLLOCK, extraordinaria desde muchos puntos de vista, se centra en los orígenes pictóricos del artista en Nueva York.
En ella realiza una visión pormenorizada sobre la vida cultural y artística de la ciudad de los rascacielos, en plena efervescencia de  las Segundas Vanguardias. También es  un retrato -dramático- de un matrimonio, el de Pollock y Krasner.
En la película, a modo de espejo de la época, transitan muchos personajes, empezando por la familia del artista -recordemos que dos de sus hermanos fueron también pintores-; galeristas como Peggy Guggenheim y Betty Parsons; pintores como De Kooning, Alfonso Ossorio, Franz Kline; los críticos de arte Harold Rosenberg y Clement Greenberg, etc.

Un personaje capital en la vida, en la obra y en la película de Pollock es su compañera y esposa la también pintora LEE KRASNER.

Jackson Pollock  (Ed Harris) y Lee Krasner (Marcia Gay Harden) en un fotograma de la película. Fuente de la imagen: imdb.com
Jackson Pollock  (Ed Harris) y Lee Krasner (Marcia Gay Harden) un fotograma de la película. Fuente de la imagen: imdb.com


La marchante y coleccionista de arte de vanguardia PEGGY GUGGENHEIM no podía faltar en este film así como su mítica galería "Art of This Century" de Nueva York.


Fuente de la imagen: http://www.artcrimeillustrated.com/2014/09/pollock-2000-ed-harris-as-jackson.html
Son geniales las escenas donde aparece el artista en pleno proceso creativo del "Action Painting".


Fuente de la imagen: http://www.artcrimeillustrated.com/2014/09/pollock-2000-ed-harris-as-jackson.html

En definitiva, una extraordinaria película, muy recomendable para toda persona aficionada al cine con mayúsculas y al arte contemporáneo en especial.

Para saber más:


*Sobre Jackson Pollock destaca la espléndida web de The Art Story.

*Entrevista a Ed Harris sobre la película "Pollock"
http://www.dvdtalk.com/interviews/actor_ed_harris.html

Trailers de la película Pollock



domingo, 16 de abril de 2017

ARTE Y CINE: MIGUEL ÁNGEL BUONARROTI Y “EL TORMENTO Y EL ÉXTASIS” (CAROL REED, 1965)






¡Saludos!
Con esta actividad analizaremos a través de la película "El tormento y el éxtasis" la vida y la obra de Miguel Ángel Buonarroti, la relación con su mecenas y el proceso creativo de las pinturas de la Capilla Sixtina. ¡Espero que os guste!
Éste es el cuestionario sobre la misma:


1. ¿En qué siglo vivió Miguel Angel? ¿De qué región italiana procedía?

2. ¿A qué estilo artístico pertenece?

3. ¿En qué artes destacó?

4. Dentro de su producción escultórica, ¿qué temática repite en varias de sus obras según vimos en el documental que precede a la película? Cita varios ejemplos

5. ¿Quién fue el comitente que le encargó la decoración de la Capilla Sixtina? ¿Cómo se llevaba Miguel Ángel con él?

6. ¿Qué opinó Miguel Angel al contemplar el edificio que tenía que decorar?

7. ¿Cuánto le pagaron por pintar la Capilla Sixtina?

8. ¿Qué famosos mecenas del Renacimiento aparecen en la película?

9. ¿Quiénes fueron las fuentes de inspiración de Miguel Ángel para realizar las pinturas?

10.¿Qué temas y personajes realizados por Miguel Ángel aparecen pintados en la Capilla Sixtina?

Extracto de la película:


martes, 28 de marzo de 2017

"EL NACIMIENTO DE VENUS DE BOTTICELLI". ACTIVIDAD INTERDICISCIPLINAR. FUNDAMENTOS DEL ARTE I




¡Saludos!
La propuesta interdisciplinar sobre "El nacimiento de Venus" de Sandro Botticelli  tiene como objetivo identificar, reconocer, disfrutar y debatir las claves del arte renacentista a través de una de sus obras emblemáticas. También nos ayudará a comprender la importancia de analizar una obra de arte en su contexto y su conexión con la filosofía, la literatura y las raíces culturales clásicas e incluso bajomedievales que están en la base de la cultura renacentista. 
A la vez, nos posibilitará implementar diversas competencias como la CCL -en español e inglés-, CMCT, CSC, SIE y CEC.

Fundamentos del Arte, Primer Curso de Bachillerato

*Contesta el siguiente cuestionario sobre "El nacimiento de Venus" de Botticelli a partir de la lectura del siguiente texto y después de ver los videos que se adjuntan:

"El nacimiento de Venus" es una de las obras maestras realizadas por el pintor florentino Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi, más conocido como Botticelli. Está fechada en el año 1485 y se conserva en la Galería de los Uffizi de Florencia (Italia). 
Realizada con la técnica del temple sobre lienzo,  mide  184,5 x 285,5 cm. 
Es una obra muy representativa de la pintura del Quattrocento florentino, ligado al círculo neoplatónico mediceo.
Está realizada sobre tela porque presumiblemente fue para una villa de los Medici. Es el primer ejemplo de pintura sobre lienzo en la Toscana. 
En su elaboración utilizó polvo de alabastro, lo cual confiere un brillo especial a la obra, que la hace realmente única.

Su autor es Sandro Botticelli (1445-1519). Su apelativo, de origen incierto, proviene de "botticello" que significa "pequeño tonel o tonelito". 


Autorretrato de Sandro Botticelli. Detalle de su obra "La adoración de los Reyes Magos", c. 1474, Galería de los Uffizzi, Florencia
Hacia 1460 entró en el taller de Filippo Lippi en compañía de Antonio de Pollaiuolo y Andrea del Verrochio. Su formación, como era habitual en la época, no solo abarcó la pintura, sino también la orfebrería, y de hecho en algunos detalles de sus pinturas se observa el detallismo y  refinamiento de un orfebre. 
Su producción pictórica abarca temas mitológicos como el que nos ocupa y su pendant, "La Primavera". Dicho con otras palabras,  fue realizada para ser exhibida  con  esta obra. 



La Primavera
, Botticelli, c. 1482. Fuente de la imagen: Wikipedia, public domain.

También llevó a cabo pinturas de  temática religiosa y retratos de insuperable modernidad y belleza, como los que realizó a la considerada mujer más bella del Renacimiento, Simonetta Vespucci, amante de Giuliano de Medici. Ambos tuvieron un trágico destino. Ella murió jovencísima de tuberculosis y él, hermano de Lorenzo el Magnífico, fue asesinado en la Catedral de Florencia en la conjura de los Pazzi.
Se cree que fue la modelo del "Nacimiento de Venus".



Simonetta Vespucci,
Botticelli, c. 1480. Botticelli era un virtuoso en la representación de los peinados renacentistas como se aprecia en los retratos que realizó, como en este caso, con cuentas de perlas, plumas y gemas. Fuente de la imagen: Wikipedia, public domain.
Entre sus mecenas se cuenta la familia Pucci, Bardi, Vespucci, y por supuesto Medici.
Presumiblemente el comitente de la obra fue un miembro de la poderosa familia de los Medici, en concreto se cree que era un primo de Lorenzo el Magnífico llamado Lorenzo di Pierfrancesco.

La fuente literaria procede de la obra latina Metamorfosis de Ovidio. También se ha señalado que presenta conexiones literarias con las Stanzas de Agnolo Poliziano, un poeta vinculado al círculo neoplatónico florentino. Se ha dicho que esta obra es una poesía visual.

                                         


        Detalle del dios del viento del oeste Céfiro abrazado a la diosa de la brisa primaveral, Aura. Curiosamente, obsérvese el tono más oscuro de la piel del varón, convencionalismo que era habitual en el arte del antiguo ¡Egipto!

La escena muestra el momento en que la diosa Venus -Afrodita en la mitología griega- emerge de las aguas del mar Jónico en la isla de Citérea sobre una concha marina. 
La concha, junto con las rosas, son dos de los atributos de la diosa. Las rosas simbolizan el amor, por su belleza y fragancia y por sus espinas, que nos recuerdan el dolor que puede acarrear.
Venus fue una de las divinidades más adoradas en la antigüedad clásica.
En los cassone, especie de arcón o baúl para guardar los ajuares nupciales, eran frecuentes las representaciones de Venus. Se creía que darían suerte al matrimonio, como en esta imagen:



En "el nacimiento de Venus" de Botticelli, la diosa aparece desnuda -en su birthday suit- como dicen los ingleses y en este caso, nunca mejor dicho. 
Es conducida a la orilla gracias al viento suave de Céfiro y la brisa de Aura, la diosa del viento primaveral. 
Es recibida por la Hora -que representa a la Primavera- que la espera para taparla con una capa floreada de color melocotón.
Aunque es un desnudo muy púdico -siguiendo la estela de las Venus así llamadas- es un ejemplo novedoso puesto que presenta por vez primera en el Renacimiento un desnudo femenino no bíblico bajo la influencia de la estatuaria clásica.
Como característica pintura florentina del Quattrocento, en ella se privilegia el dibujo sobre el color. La anatomía es muy escultórica y dibujística. 
El cuerpo parece flotar en el espacio pero compositivamente no se sostiene: su centro de gravedad está fuera  de la base de sustentación. Le falta lo que los clásicos denominaban como "aplomo".
Es una imagen totalmente idealizada de fría sensualidad.

                                     
Venus capitolina versus la Venus de Botticelli. 
Fuente de la imagen: ItalianRenaissance.org

En la etapa medieval, los desnudos solían tener connotaciones ligadas al pecado y eran habituales en las representaciones de Adán y Eva, como vemos en la imagen:



Ocasionalmente en la etapa medieval el desnudo podía simbolizar inocencia y pureza, como en el caso de nuestra renacentista Venus.

Presenta, además,  un  acusado contraposto praxiteliano, algo que por cierto, también encontramos en muchas Vírgenes góticas. 

La figura de Venus es sumamente delicada y refinada. Su piel, nacarada y espléndida, nos remite claramente al ideal de belleza quattrocentista. 

De mirada ausente y melancólica, como es habitual en las mujeres pintadas por Botticelli, su larga y ondulada cabellera, no es nada habitual, por otra parte en las Venus del mundo clásico, que suelen presentar el peinado "nudo de Afrodita" también llamado "nudo isáurico o isauriano". 
En Botticelli, el peinado de Venus nos recuerda al ideal albertiano:



El cabello es de color rubio pajizo. Recordemos que en la pintura veneciana del Cinquecento causará furor el tono del cabello rubio -como vemos en las pinturas de Tiziano o Veronés- y en menor medida el pelirrojo -más ligado desde antiguo al prototipo de "mujer fatal"-.
"Deseo (...) que los cabellos (...) se enrosquen como si fueran a anudarse, que ondulen en el aire imitando las llamas, que tan pronto se escurran como serpientes por debajo de los otros cabellos como que se levanten por todos lados".
De pictura, León Battista Alberti

El tratamiento de las telas y texturas es espectacular, particularmente en la vaporosa y etérea figura de Hora-Primavera. 
Los tejidos muestran motivos florales, finas transparencias y alusiones simbólicas: el vestido blanco está bordado con flores  de aciano -centaurea cyanus-. LLeva un cinturón de rosas -símbolo de Venus- y un collar de mirto, planta también ligada a la diosa del Amor. Tantas referencias florales son debidas a que Venus nació en Primavera. Quizá de ahí venga el dicho de que "la primavera la sangre altera" y el topos de la Primavera como la estación del Amor.





      

i
Vista en detalle de la figura de la Hora -que simboliza la Primavera-. Nos recuerda muchísimo a los pintores prerrafaelitas y al movimiento esteticista del siglo XIX "Arts and Crafts", claramente deudores de Botticelli.



Las ondas del mar muestran un primitivismo y un carácter un tanto infantil, que poco tiene que ver con los paisajes naturalistas del Cinquecento.

La composición busca la simetría y presenta carácter piramidal.  La Venus es la figura central y eje de la composición. El dinamismo que otorga a las figuras, como en muchas de sus obras, nos remite a un ritmo casi musical y dancístico.
La obra presenta proporciones áureas, aunque la figura de Venus, con el cuello extremadamente largo y los hombros caídos, se aparta de proporciones clasicistas.





Agitación y dinamismo dominan la escena.
En esta obra, Botticelli no presenta un gran interés por  la perspectiva, aunque sí se subraya el carácter volumétrico de las figuras. No encontramos referencias arquitectónicas aunque sí paisajísticas que nos recuerdan a la vegetación característica de los tapices medievales, tan queridos por los coleccionistas de la familia Medici.



En esta imagen vemos las referencias paisajísticas de "El nacimiento de Venus".

La obra se ha interpretado en clave filosófica y mística. Recordemos que el Renacimiento, lejos de ser ateo -aunque en un sentido muy diferente a la época teocéntrica medieval- busca aunar lo pagano -singularmente el platonismo- con lo cristiano. No eran, además, ajenos a la pasión por lo hermético, esotérico y cabalístico de raigambre judía.
Sabemos que Botticelli conocía y compartía las teorías de la filosofía neoplatónica que tanto éxito tuvieron en la  Academia florentina de los Medici a finales del siglo XV. Se reunían en la Villa campestre de Careggi,  que al parecer estaba decorada con pinturas del genio florentino. Allí murió Lorenzo el Magnífico en 1492 y el filósofo Marsilio Ficino en 1499. 
Botticelli también sintió una extraña fascinación por las teorías apocalípticas del monje herético Girolamo Savonarola, que a finales del Quattrocento fustigaba sin piedad los excesos del lujo florentino y la corrupción eclesiástica de la época. Finalmente este monje-mártir moriría ahorcado, siendo además quemado en la hoguera en la plaza de la Signoría en 1498. Para que no hubiera reliquias de él, las cenizas fueron esparcidas en el río Arno.



Villa medicea de Careggi, Michelozzo, siglo XV. 

Otra interpretación propagandística sobre "el nacimiento de Venus" la considera como una oda a la poderosa familia Medici que encargó la obra: es el inicio de una época dorada en la que reina el Amor gracias a los Medici, hábiles diplomáticos, amantes y protectores del arte, de vasta cultura.

Después de una etapa de gran éxito, en la que le llovieron los encargos, al parecer al final de su vida se inició un declive de la apreciación de su obra y murió en la miseria. En los últimos diez años de su vida no tuvo ningún encargo.
Fue prácticamente olvidado durante trescientos años. Habríamos de esperar al siglo XIX con la llegada de críticos de arte, coleccionistas y movimientos esteticistas -como los Prerrafaelitas- para que volviera a alcanzar una valoración que con el paso del tiempo no ha hecho más que acrecentarse.
Hoy está considerado como uno de los grandes genios pictóricos de la Historia del Arte occidental.

La trascendencia de la obra ha sido y es profunda. No solo en la historia del arte occidental, también en la cultura popular, la música, la publicidad, el cine, la fotografía, el diseño, la moda... como espléndidamente muestra la exposición "Botticelli reimagined" que se puede visitar en el Museo V & A de Londres (hasta el día 3 de julio de 2016).




Venus Dress: Look 15, Dolce & Gabbana, S/S Fashion Show in Milan, Italy 1993. Model – Karen Mulder. Fuente de la imagen: Sitio Web del Museo Victoria & Albert de Londres

En definitiva, "El nacimiento de Venus" es una indiscutible obra maestra del arte de todos los tiempos, una celebración de la Vida y la Belleza.



Venus,
Warhol, 1984. Fuente de la imagen: warhol.org
Cuestionario
1. Señala la cronología del Renacimiento en Italia.
2. Explica la diferencia entre: 
comitente:
donante:
mecenas:
coleccionista:
3. ¿Qué significa que la cultura renacentista es antropocéntrica?
3. Identifica las fuentes literarias y filosóficas con las que se ha relacionado "El nacimiento de Venus" de Botticelli.
4. Explica la diferencia entre la técnica del temple y la del óleo.
5. Describe los personajes presentes en la obra.
6.La fortuna crítica de Botticelli ha sido cambiante. ¿Cuándo y por qué volvió a ser valorado?
7. ¿Sabrías citar varios ejemplos de obras artísticas relativas a Venus?
8. Señala varios ejemplos que muestren la influencia de Botticelli en diversos artistas y diseñadores de diferentes épocas.

Inglés

Este cuestionario ha sido elaborado por  nuestra compañera del equipo educativo, la maravillosa profesora de inglés Catherine Ramos:

Look carefully at this masterpiece and try to answer the following questions:

1- Why isn’t Venus wearing any clothes?
2- How old do you think she is?
3- How would you describe her?
4- Is she well-proportioned? Why?
5- What could you say about her personality?
6- Are her parents in the picture?
7- Why is she riding on a shell?
8- Why do you think she´s standing on one foot?
9- What time of the year is it? 
10- How many things can you see in motion in this painting?
11- What is the woman on the right doing?
12- What is she holding?
13- What is she going to do?
14- Who could she be?
15- Do you think the two characters flying on the left are angels?
16- What could they be if not?
17- Are they male or female? 
18- Why are there different flowers floating around her?
19- Do you know any other Venus?
20- Do you know any other mythological paintings? Which?

Compare your answers to those of your partner. Try to come to agreements. Discuss and add new ideas.

RESEARCH:
The Birth of Venus is considered a masterpiece and is, no doubt, one of the most famous paintings of all times.
Do a little research with your partner and answer these questions in the shortest time possible.

1- Who painted this masterpiece?
2- When was it painted?
3- Where is it located today?
4- Where did the artist find his inspiration?
5- What size is the painting?
6- What is it painted on? 
7- What kind of paint did he use?
8- Who are the characters that appear in the painting?
9- What makes this work of art a truly Renaissance image?
10- What was Venus’s name in Greek mythology?
11- What is her name in Italian?
12- There is a planet named after her. The Earth is the third planet in the solar system … where is planet Venus?
13- There is an illness named after her …What is it in Spanish? 
14- Why was Boticelli considered to be so daring when he did this painting?
15- What is your opinion about The Birth of Venus? 
16- Which is your favourite Renaissance painting?
17- Which is your favourite Renaissance sculpture?

Homework: Boticelli’s Venus has become a global icon and many artists have been inspired by this masterpiece. Surf the internet and try to find a work of art which is clearly influenced by The Birth of Venus. Prepare a short introduction to present your discovery to the class. 

Extra: if you like you can draw, paint or do a collage inspired by The Birth of Venus. (We may set up an exhibition with your works).


Dibujo Artístico y Cultura Audiovisual

*Busca la inspiración en Botticelli para crear una obra artística, imaginativa y personal. Existe la posibilidad de realizar una exposición con ellas.

Lengua y Literatura

Lectura y debate sobre la historia del nacimiento de Venus a través de textos literarios:

"Hay varios pasajes literarios tras este cuadro. El más antiguo se encuentra en la Teogonía, libro escrito por Hesíodo; aunque Botticelli hace algunas modificaciones importantes respecto a lo que allí se cuenta. Por ejemplo, la diosa nace en una concha, no en la espuma. También las Horas que siguen, reciben y visten a Venus, han pasado de tres (Eunomía, Dice e Irene) a una, Flora. A la misma época de Hesíodo pertenece el Segundo Himno homérico a Afrodita, uno de los poemas épicos cortos griegos atribuidos en la antigüedad a Homero. Y este texto es el que sigue Angelo Poliziano (Giostra, stanze 99-102), humanista y poeta del siglo XV, en el que se inspira directamente Botticelli.

"Cuantos nacieron de Gea y Urano, los más terribles de los hijos, estaban irritados con su padre desde el comienzo, pues cada vez que iba a nacer uno de éstos, Urano los ocultaba en el seno de Gea, sin dejarlos salir y se complacía en su mala acción. La monstruosa Gea en su interior se lamentaba oprimida y tramó una malvada artimaña. Tras haber creado al punto una especie de blanco acero, fabricó una gran hoz y explicó el plan a sus hijos. Les habló valerosa pero afligida en su corazón: "Hijos míos y de orgulloso padre. Si queréis obedecerme, vengaremos el malvado ultraje de vuestro padre, pues él fue el que empezó a maquinar obras indignas". Así dijo y, como es natural, de todos se apoderó el temor, de modo que ninguno se atrevió a contestar; pero el poderoso Crono, astuto, cobrando ánimo, al punto respondió a su respetable madre: "Madre, te prometo que puedo realizar este trabajo, puesto que no siento preocupación alguna por nuestro odioso padre, ya que fue el primero en maquinar obras indignas". De este modo se expresó y la monstruosa Gea mucho se alegró en su mente. Tras ocultarlo, lo colocó para la emboscada; puso en su mano una hoz de agudos dientes y le enseñó todo el engaño. Vino el poderoso Urano trayendo la noche y deseoso de amor se echó sobre Gea y se extendió por todas las partes. Su hijo desde la emboscada lo alcanzó con la mano izquierda, a la vez que con la derecha tomó la monstruosa hoz, larga, de agudos dientes, y a toda prisa segó los genitales de su padre y los arrojó hacia atrás... En cuanto a los genitales, desde el preciso instante en que los cercenó con el acero y los arrojó lejos del continente en el tempestuoso ponto , fueron luego llevados por el piélago (mar) durante mucho tiempo. A su alrededor surgía del miembro inmortal una blanca espuma y en medio de ella nació una  muchacha. Primeramente navegó hacia la divina Citerea; luego, desde allí, se fue a Chipre, rodeada de corrientes. Salió del mar la respetable bella diosa y bajo sus delicados pies a ambos lados la hierba crecía. Afrodita, diosa nacida de la espuma, y Citerea, ceñida de bella corona, suelen llamarla tanto dioses como hombres, porque en medio de la espuma se formó, pero también Citerea, porque a Citerea se dirigió. Ciprogénea, porque nació en Chipre de muchas olas, y Filomena, porque nació de los genitales. La acompañó Eros y la siguió el bello Hímero al principio cuando nació, y luego en su marcha hacia la tribu de los dioses. Y estas atribuciones posee desde el comienzo y ha recibido como lote entre los hombres y dioses inmortales: las intimidades con doncellas, las sonrisas, los engaños, el dulce placer, el amor y la dulzura".
Hesíodo, Teogonía.

"Cantaré a la de áurea corona, veneranda y hermosa Afrodita, a quien se adjudicaron las ciudadelas todas de la marítima Chipre, adonde el fuerte y húmedo soplo del Céfiro la llevó por las olas del estruendoso mar entre blanda espuma; las Horas, de vendas de oro, recibiéronla alegremente y la cubrieron con divinales vestiduras, pusieron sobre su cabeza inmortal una bella y bien trabajada corona de oro y en sus agujereados lóbulos flores de oricalco y de oro precioso, y adornaron su tierno cuello y su blanco pecho con los collares de oro con que se adornan las mismas Horas, de vendas de oro, cuando en la morada de su padre se juntan al coro encantador de las deidades. Mas, así que hubieron colocado todos estos adornos alrededor de su cuerpo, lleváronla a los inmortales: éstos, al verla, la saludaron, le tendieron las manos, y todos deseaban llevarla a su casa para que fuera su legítima esposa, admirados de la belleza de Citerea, de corona de violetas. Salve, diosa de arqueadas cejas, dulce como la miel; concédeme que alcance la victoria en este certamen y da gracia a mi canto. Y yo me acordaré de ti y de otro canto".
Himno homérico a Afrodita.

Oricalco: metal legendario; el segundo más valioso.
Ponto: nombre dado en la antigüedad a la región al noreste de Asia Menor, actual Turquía.
Piélago: mar abierto."

Fuente de los textos aquí.

Filosofía

Lectura, debate y comentario sobre  textos de los filósofos neoplatónicos de la Florencia quattrocentista como Marsilio Ficino o Pico della Mirándola:


"Hay, entonces, dos Venus en el alma: la primera, Celeste, la segunda, Vulgar. Ambas tienen un amor. La Celeste para conocer la Belleza divina, la Vulgar para generarla en la materia del mundo. Pues tal como aquélla ve aquel decoro, ésta lo quiere dar a la máquina del mundo en la medida de sus fuerzas. Es más, tanto una como otra son llevadas a generar belleza, pero cada una a su modo. La Celeste se esfuerza en pintar en sí con  su inteligencia de manera muy exacta la belleza de las cosas superiores. La Vulgar, gracias a la fecundidad de las semillas divinas, se esfuerza en que se manifieste en la materia mundana la Belleza divina, concebida en sí por voluntad divina."


Marsilio Ficino, De Amore

"He leído en los antiguos escritos de los árabes, padres venerados, que Abdala el Sarraceno, interrogado acerca de cuál era a sus ojos el espectáculo más maravilloso en esta escena del mundo, había respondido que nada veía más espléndido que el hombre. Con esta afirmación coincide aquella famosa de Hermes: "Gran milagro, oh Asclepio, es el hombre". (...)

Giovanni Pico della Mirandola, Discurso sobre la Dignidad del Hombre.


Fuentes de las imágenes

*Google Images, Google Art Project, Getti Images y Wikimedia.

PARA SABER MÁS

*Un  completo análisis de esta obra se puede ver en el fantástico blog de Algargos. 


*Sobre las proporciones áureas de esta obra véase este enlace.



*Sobre la exposición "Botticelli reimagine", véase el magnífico blog de Bárbara Rosillo.



*Sobre la interpretación hermética-cabalística de la obra véase este enlace.


Videos

*Espléndido video sobre "El nacimiento de Venus" (CED)


*Video de Artehistoria sobre esta obra.


*Sobre la exposición "Botticelli reimagined" en el museo V & A (I y II)


*Sobre la técnica al temple.


*Sobre la técnica al óleo (I)


*Sobre la técnica al óleo (II)