Descripción del blog


Este blog educativo está dedicado a la Historia del Arte en general, y a la Historia de las Artes Decorativas y el Diseño en particular (indumentaria, joyería, cerámica…). Apuntes de Fundamentos del Arte I y II. Cine en el Arte, Arte en el Cine. Todos los textos han sido escritos por la autora del blog, Ana Galván Romarate-Zabala. Si los utilizas, cita las fuentes. Todas las imágenes contenidas en esta web tienen exclusivamente una intencionalidad didáctica. Si alguna imagen empleada vulnera derechos de autor, puede solicitar la retirada del material que considere de su propiedad intelectual. El contenido de mis artículos puede ser descargado libremente, pero por favor, cite la procedencia. Imagen que encabeza el blog: Un Bar aux Folies Bergère, Édouard Manet, c. 1882. Courtauld Institut, Londres. Fuente de la imagen: Wikimedia Commons. Public Domain

domingo, 18 de febrero de 2018

"A RITMO DE JAZZ", ILUSTRACIONES DÉCO EN EL MUSEO ABC


Carlos Sáenz de Tejada, La moda en París. Gran concurso de elegancias,  1931. Museo ABC


Salvador Bartolozzi, Cuentos de hoy. Bailando el charlestón. Blanco y Negro, núm. 1881, 5 de junio de 1927. Museo ABC

Coincidiendo con el Madrid Design Festival podemos contemplar hasta el próximo 4 de marzo en el Museo ABC de Madrid la deliciosa exposición "A ritmo de Jazz. Art Déco en la Colección ABC". En ella encontraremos ejemplos representativos de ilustraciones Déco de artistas españoles, sobre todo son imágenes alusivas al interiorismo y la moda. 
Algunas de estas ilustraciones fueron publicadas en la mítica revista Blanco y Negro, una publicación semanal en la que desde el año 1891 que surgió, colaboraron los artistas más relevantes de la época.

Reproducimos por su interés, la información que nos aporta este museo sobre esta recomendable exposición:

"Penagos, Bartolozzi, Rikardo, o Sáenz de Tejada, con sus dibujos, revelan las claves del estilo más glamuroso del siglo XX.

EL ART DÉCO ILUSTRADO

Joséphine Baker contonea sus extremidades de ébano solo ataviada con una falda de plátanos. Es un escándalo. Únicamente los coloristas y exóticos Ballets Rusos le hacen sombra en los escenarios. El cubismo, como otras vanguardias, tiene prohibida la entrada a los Salones. «¡Son unos degenerados!», gritan los academicistas.
La Bolsa sube y también las flores de loto, los escarabajos y las pirámides que traen consigo el descubriendo de la tumba de Tutankamón en 1922. Lo exótico, ya sea de África, América Central u Oriente, vende. Y, a la vez, hay una fascinación por las máquinas. Se baila a ritmo de jazz mientras The New York Times habla de «el retorno de la música de los ‘salvajes’». Estamos en 1925. Y las noches son largas.
Están repletas de flappers, humo y alcohol. París, recuerden, era una fiesta.
Introduzcan todos esos ingredientes en una coctelera –Baker, Picasso, Diághilev… y algún faraón–, añadan un poco de los estilos históricos. Agítenlo –prohibido remover– y tendrán el art déco. El estilo que reinó de 1910 a 1935 y que nació para salvar a Francia. Y, dispuestos a volver a imponer su estilo al mundo, a los franceses no se les ocurrió otra cosa que dedicarle una exposición internacional a las artes decorativas.¡La primera en el mundo! El objetivo era parar el auge del diseño y la fabricación austriaca y alemana y resucitar una industria moribunda. Proclamar al mundo la supremacía francesa en la producción de artículos de lujo.
La Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industrias Modernas de París se inaugura, con 10 años de retraso, en abril de 1925. Recibe16 millones de visitantes en seis meses. Es la consagración de un estilo, el art déco, donde se abrazan tradición y modernidad, lujo y funcionalidad. Entre tanta opulencia no hay hueco para filosofía ni utopías. Es el triunfo de lo pragmático. Otra forma de entender la modernidad, más allá de vanguardias históricas. Un estilo al que no tuvieron tiempo ni de bautizar. Es en los años sesenta cuando se adopta la abreviatura de la exposición internacional para referirse a él.
Triunfan los muebles de Émile-Jacques Ruhlmann, Jacques Doucet y Robert Mallet-Stevens. Y el cristal de René Lalique o las joyas de Louis Cartier.

EN VERSIÓN ESPAÑOLA

Una veintena de países fueron invitados a participar. La única condición era que las obras expuestas debían ser completamente modernas, sin copia de estilos históricos del pasado. España consiguió plaza pero rápidamente quedó fuera de juego con un pabellón de estilo regionalista. Lo firmaba el arquitecto Pascual Bravo Sanfeliú. En cambio, en el interior del Grand Palais brillaban los carteles de Rafael de Penagos
–fue premiado por los organizadores–, Salvador Bartolozzi, Ramón Manchón Herrera, José Capuz y Larraya. Los tres primeros, presentes en esta muestra. Según importantes críticos, la mayor aportación española al art déco fue la producción gráfica y muchos de sus autores están en la Colección ABC. De la popularidad y el éxito de este movimiento son testigo los dibujos originales que se presentan en A ritmo de jazz. Art déco en la Colección ABC. 
Están firmados por Rikardo, Santonja, Romley, Loygorri o Sáenz de Tejada y son fruto del interés de los editores de ABC y Blanco y Negro por transmitir a sus lectores lo último. Unas ilustraciones que invitan hoy a viajar a una época marcada por la elegancia, el refinamiento y el exceso.


CLAVES DE ESTILO

El art déco tuvo unos padrinos que, armados de aguja y dedal, no solo impusieron una nueva forma de vestir sino que encargaron sus salones a arquitectos y decoradores. Hablamos de Poiret, un auténtico coolhunter de la época, pero también de Lanvin, Patou, Paquin, Chanel, Vionnet, Tabot... Desterraron el corsé, acortaron las faldas y el pelo para facilitar que se bailara el charlestón. Impusieron el corte al bies para dibujar el cuerpo femenino. Si en el armario reinaba una nueva sencillez y ligereza, aunque estuviera confeccionada en tul y lentejuelas o en tejidos de lamé brillantes, los interiores también debían girar hacia una simplificación de la arquitectura y la decoración. El biombo o los muebles que dividen espacios son pieza claves. Todo es provisional. Es época de los ensembliers (decorador)".
Las negritas son mías.

Algunas imágenes de la muestra:

Portada de Eugenio Cortiguera para Blanco y Negro. Publicada el 8 de junio de 193

"La mujer y la casa" de José Loygorri. Publicado en  Blanco y Negro, núm. 1.988, 23 de junio de 1929. Museo ABC 


"Por las rutas tenebrosas" de Carlos Masberger. Publicado en Blanco y Negro el 7 de diciembre de 1930. Museo ABC


 
Romley.
 La Gran Sala Comunal. Circa 1935 ©Museo ABC  
                         

Romley, Ideas a domicilio. Respuestas a nuestros consultantes. La decoración en la vida moderna, 1933. Museo ABC


Francisco Sancha, La hora del cine, 1935. Museo ABC

Fuente de las imágenes: ABC

miércoles, 7 de febrero de 2018

LA BAUHAUS, PARADIGMA DEL DISEÑO MODERNO

Silla Wassily, Marcel Breuer, 1925-26, Fuente de la imagen: https://www.pinterest.es/explore/silla-wassily/
La Bauhaus fue una escuela de diseño, arquitectura y artes aplicadas, que surgió en Alemania en 1919.  Perduró hasta 1933 al ser clausurada por los nazis. 
El término Bauhaus quiere decir en alemán “casa de la construcción”: es una reminiscencia romántica, que deriva de los gremios artesanales medievales. Sigue por lo tanto, la estela e influencia que dejó el movimiento Arts & Crafts en Europa con su reivindicación de un arte del pueblo para el pueblo, la síntesis e integración de todas las artes, la valoración del trabajo artesanal... 
Precedentes sin los cuales no se entiende la Bauhaus, fueron el llamado Taller de Viena (Wiener Werkstätte) y la Asociación Alemana de Artesanos (Deutscher Werkbund) de Munich. 


La Bauhaus está considerada como el paradigma del diseño moderno y la escuela de arte más influyente de la historia. En ella confluyeron las más diversas poéticas y tendencias artísticas de vanguardia (Suprematismo,  Expresionismo, Neoplasticismo, etc.) De hecho, Tafuri la definió como “cámara de decantación de las vanguardias”.
La Bauhaus fue fundada por el arquitecto alemán Walter GROPIUS (1883-1969). Fue fruto de la fusión de dos escuelas, la Escuela de Arte de Weimar y la Escuela de Artes Decorativas de esa misma ciudad. Bauhäuslers fue el nombre de los representantes y alumnos de esta institución educativa.


La Bauhaus cambió tres veces de sede, por eso podemos distinguir varias etapas:
1ª etapa: Weimar (1919-25): Gropius estuvo a cargo de la dirección hasta 1928.
2ª etapa: Dessau (1926-32) Entre 1926 y 1932 la Bauhaus se estableció en Dessau. Meyer era el director.
3ª etapa: Berlín fue la última sede (1932-33). Mies van der Rohe fue su director y con él pasó a ser una escuela privada.


La Bauhaus hay que entenderla en su contexto: surgió en una época de grandes transformaciones sociales y económicas e inestabilidad política marcada por la derrota de Alemania en la I Guerra Mundial y la ascensión fulgurante del totalitarismo nazi.

Los objetivos de la Bauhaus eran:

*Terminar con la división entre arte e industria. Buscaban crear un arte moderno, funcional y desornamentado, un “arte total” donde confluyeran todas las artes y el diseño en sus múltiples vertientes. Buscaban la calidad de los objetos, aunque fueran hechos industrialmente. Fomentaron la producción de diseños en masa, funcionales pero estéticos. Para Gropius no existía diferencia entre artesano y artista.

*Como el movimiento Arts & Crafts, querían crear un arte para el pueblo, pero a diferencia de éstos, no renegaban de la industria. Los miembros de la Bauhaus no pretendían crear objetos únicos ni lujosos para una elite adinerada. Lo cierto es que rechazan el desbordamiento ornamental del modernismo – tan “burgués”- y les apasiona la geometría, el cubismo, las formas depuradas.

*Desean reformar radicalmente los estudios artísticos (metodología, contenidos, relación maestros-alumnos). Llevaron a cabo un intrépido y eficaz programa de formación artística. 
Sus profesores fueron artistas de primera fila: Paul Klee (vidrio y pintura), Wassily Kandinsky (pintura), Lyonel Feininger (artes gráficas), Oskar Schlemmer (escultura y escenografía), Marcel Breuer (decoración de interiores), Herbert Bayer (tipografía y publicidad), Gerhard Marcks (cerámica), etc.


El alumnado recibía una formación muy amplia, tanto en arte como en tecnología ya que la Bauhaus quería terminar con la división entre arte e industria. 
Inspirándose en las teorías y en los productos del Werkbund, la Bauhaus intenta conciliar la habilidad artesana con la producción industrial, uniendo en la figura del diseñador no sólo un artista creador sino también un experto en los materiales y la tecnología empleados.
En esta escuela, que tanta transcendencia ha tenido en la historia del arte, artes decorativas y arquitectura, se impartían diversos talleres –pintura, mobiliario, metales, cerámica, cristal, artes gráficas, tipografía, etc. Eran generalmente enseñados por dos profesores: un artista (que hacía el énfasis en la teoría) y un artesano (que hacia hincapié en la técnica). Después de tres años de curso, los alumnos recibían su diploma.



Antes de ser admitidos en los talleres, los estudiantes de la Bauhaus debían realizar un curso preliminar dirigido por Johannes Itten, Josef Albers, y László Moholy-Nagy.  



En ocasiones contaban con la colaboración de sus propios alumnos, ya que en un cierto sentido la Bauhaus era una especie de hermandad entre “profesores y alumnos” que intentaban diluir las diferencias entre arte y artesanía.



Estilísticamente, la Bauhaus cambió profundamente hacia 1923: abandonaron sus orígenes ligados al expresionismo con huellas del romanticismo alemán, para preconizar diseños más fríos y racionalistas, por la influencia de la vanguardia neoplasticista del grupo holandés De Stijl. Las influencias en esta etapa proceden también de las vanguardias rusas. El resultado: una nueva síntesis entre arte e industria.


Símbolo de la Bauhaus marcado por la influencia del neoplasticismo holandés, 1923


Arquitectura. Los diseñadores de la Bauhaus pretendían hacer tábula rasa, partir de cero. El formulador de la teoría arquitectónica de la Bauhaus fue el berlinés Walter GROPIUS (Berlín 1883- Boston 1969).
Discípulo del gran arquitecto Peter Behrens, Gropius fue el gurú de la arquitectura moderna. Los jóvenes arquitectos se rendían a sus pies.
Gropius y los Bauhäuslers deseaban una arquitectura con valores sociales para trabajadores, una arquitectura “antiburguesa”.
La Bauhaus fue el paradigma de la arquitectura funcional: hacen suyo el lema “la forma sigue a la función”. El funcionalismo era para ellos un eufemismo de  “no burgués”.

Sus edificios se caracterizaron por su carácter desornamentado y funcional, con grandes superficies acristaladas y con cubiertas planas. Gropius se convirtió en uno de los arquitectos más representativos del MOVIMIENTO MODERNO. Diseño numerosos complejos de viviendas, en los que aplicó sus ideas.
Entre sus obras más emblemáticas destaca el edificio que diseñó para la Bauhaus de Dessau (Alemania):




Es su obra maestra.
La realizó entre los años 1925-26.
Condensa las características esenciales de la Bauhaus: sencillez, desornamentación, importancia de los paneles de cristal, funcionalismo siguiendo el principio de que “la forma sigue a la función”.
Tiene planta en forma de doble ele, creando diferentes ejes, articulando los volúmenes de manera similar a las composiciones de Klee o Kandinsky. Nos recuerda por tanto al juego de volúmenes del cubismo, del constructivismo ruso..., en definitiva, de las vanguardias ligadas a la Bauhaus.
Predominan las líneas rectas y se elimina cualquier referencia decorativa, destacando las amplias superficies acristaladas. El tejado es plano.
Presenta diferentes secciones: Aulas de los estudiantes; Oficinas y administración; Laboratorios;
Residencia de estudiantes; Alrededor de la escuela, se construyes residencias y talleres para los profesores.
Los materiales utilizados son acero, hormigón y vidrio. Utiliza nuevos materiales constructivos prefabricados de estética del diseño industrial.
No hay ornamento ninguno ni en el interior ni en el exterior, la única estética visible es la de la desnudez de los elementos arquitectónicos, la de su reiteración, la de la máxima simplicidad formal.
Esta sencillez formal y la adaptación de las formas a la función, hizo de este tipo de construcciones un modelo útil, pragmático y barato, lo que permitió que se aplicara a la edificación de barrios populares. Consecuencia ésta perfectamente coherente con los postulados ideológicos y socializantes de los miembros de la Escuela.


La Bauhaus creó escuela, y nunca mejor dicho, y hoy es una visita obligada de cualquiera que quiera conocer la esencia y el concepto formal de la arquitectura racionalista.
Otros edificios representativos de Gropius son la Fábrica Fagus en Alemania o la Torre PanAm de Nueva York.

Muebles e Interiores BAUHAUS

Los diseñadores de la Bauhaus pretendían hacer tábula rasa, partir de cero
Como ya era habitual en aquél entonces, los primeros diseñadores del siglo XX fueron arquitectos, que al no encontrar lo que buscaban en el mercado, optaron por diseñar ellos mismos el mobiliario y otros objetos de uso cotidiano, adecuados a las necesidades de sus proyectos constructivos.
Los muebles e interiores diseñados en la Bauhaus son el resultado de la aplicación del famoso axioma funcionalista: “la forma sigue a la función” adoptado por decenas de miles de diseñadores. 
“Funcional” se convirtió en uno de los diversos eufemismos de antiburgués. La austera simplicidad de los interiores Bauhaus les hacía proclamar el lema de Mies van der Rohe “menos es más”.


                                           Casa Sommerfeld, Berlín, 1921. Alumnos de la Bauhaus, Gropius y Meyer.

Buscan la simplicidad de formas, la geometrización, los volúmenes puros, los muros cortinas de cristal y los tejados planos.
La Bauhaus propugna interiores sobrios, despojados, desnudos de ornamentación. Es la antítesis esteticista e hiperdecorativa del modernismo.



Eran contrarios a la decoración de interiores burguesa y recargada, con grandes cortinajes y bibelots. Lo que deseaban eran espacios abiertos, con mucha luz y desornamentados. 
Los interiores eran estancias totalmente blancas, desnudas, purgadas de toda decoración y liberadas de todo revestimiento, de cornisas... No había papeles pintados, ni colgaduras, ni alfombras. Y nada de muebles tapizados con telas bonitas.
Los radiadores quedaban al desnudo como un objeto puro, abstracto, también escultórico. 
Los muebles se fabricaban con materiales puros de color natural: cuero, acero tubular o lona entre otros. Cuanto más ligeros y duraderos mejor.
Al final los edificios y sus interiores presentaban un “cierto aire de familia muy similar”. Así las cosas, todo edificio moderno de calidad parecía una fabrica. Tal era el diseño contemporáneo. Todos los edificios estaban condenados a tener el mismo aspecto.
La Bauhaus se caracterizó por investigar y utilizar nuevos materiales como el acero, la metalurgia, los plásticos, el cemento, el hormigón o el cristal que se unían en las mismas piezas con la piedra, la arcilla, o la madera.
Para decorar los interiores utilizaban colores como el blanco y gris y en algún caso colores primarios que nos recuerdan al grupo De Stijl, con el que guardan muchas relaciones y semejanzas. 
Entre los diseñadores principales de muebles, arquitectura e interiores destacaron el propio Walter GROPIUS, Marcel BREUER, y Ludwig MIES VAN DER ROHE


El sillón F51 fue diseñado junto con un sofá a juego por el arquitecto y diseñador alemán Walter Gropius para su despacho de la Bauhaus de Weimar. En 1923 Gropius hizo el mobiliario y Gertrud Arndt la alfombra. Else Mögelin diseñó el tapiz. Tanto en el edificio de la Bauhaus en Dessau como en el de Weimar existe una reproducción de estas oficinas. Los sillones F51 hoy en día los comercializa Tecta en varios colores.

El arquitecto y diseñador húngaro MARCEL BREUER (1902-1981) es la figura que mejor encarna las teorías desarrolladas por Gropius.


Breuer ha pasado a la historia como uno de los diseñadores y arquitectos más importantes del siglo XX. Con sus muebles de acero tubular y sus edificios de hormigón, es el creador de la vida moderna. 
En 1925 diseña uno de sus muebles más famosos, el sillón Wassily que está considerado como el primer sillón realizado en tubo de acero. Su forma, sumamente racional, es, todavía hoy muy apreciada. Además es muy confortable. La estructura es tubular de acero cromado y el asiento, brazos y respaldo primero de tela y posteriormente de cuero. La ligereza, la transparencia de la forma y la elasticidad de su estructura son las características fundamentales de esta silla en el que son reconocibles algunos elementos del movimiento De Stijl. El empleo de tubos de acero será uno de los elementos característicos del diseño contemporáneo. Es el comienzo de una expansión imparable: centenares de diseñadores diseñan, experimentan y producen muebles metálicos que se convierten en el símbolo del estilo funcional propugnado por Gropius.  Algunos muebles de Breuer hoy en día se siguen produciendo (Knoll, etc.)




El Pabellón Alemán para la Exposición Internacional de Barcelona de 1929 de Ludwig MIES VAN DER ROHE

Esta pequeña construcción que formó parte de la Exposición Internacional de Barcelona en 1929 cristalizó la revolución moderna en la concepción arquitectónica del espacio
Mies van der Rohe se ganó su reputación como gran arquitecto y diseñador con esta obraEn ella dio preeminencia a los espacios diáfanos y abiertos. Las habitaciones no eran cerradas sino que presentaban muros de cristal y mármol que definían los espacios y esta idea tendrá una influencia esencial en el diseño de interiores contemporáneo. Utilizó materiales muy lujosos que habrían sorprendido a Gropius como mármol, travertino y ónice.




La icónica silla Barcelona de sillón de cuero y acero cromado, fue diseñada por MIES VAN DER ROHE en colaboración con Lilly REICH, especialmente para el pabellón con homónimo nombre. El precio es elevado por lo difícil que es fabricarla (el marco esta hecho de una sola pieza) y el único fabricante con licencia para reproducirla es Knoll.


Lilly REICH (1885-1947) fue una excelente decoradora de interiores alemana, mano derecha de Mies en sus diseños de interiores y muebles, además de su pareja.

La manufactura Thonet -en otros tiempo famosa por sus muebles de haya curvada)-ha producido en gran escala la silla MR.

Fue muy refinada, de gusto exquisito e influyó con su pasión por los materiales como sedas y terciopelos en el arquitecto alemán.
Diseñó moda y escaparates. Trabajó para el Taller de Viena (Wiener Werkstätte) y llegó a ser directora de la Deutscher Werkbund. Durante los años 20 y 30 colaboró estrechamente con Mies en diseños de mobiliario que con frecuencia, erróneamente, solo se le atribuían a Mies van der Rohe. Entre sus colaboraciones destacan: las míticas sillas Barcelona y la MR.
Cuando Mies asumió la dirección de la Bauhaus en 1930, Reich se incorporó a la Bauhaus como profesora de diseños de muebles y decoración de interiores.

Otros productos vinculados a la decoración de interiores, como las lámparas de Marianne BRANDT (1893-1983) o de Wilhelm WAGENFELD (1900- 1990) representan la quintaesencia de la Bauhaus.
En algún caso, guardan una gran concomitancia con el Art Déco.


Entre todos los talleres de la Bauhaus, las ARTES TEXTILES ocuparon un papel preeminente, pero, destinado a las estudiantes femeninas. La sociedad de la época veía las labores textiles como una actividad inherente a la mujer, arrastrando con ello una división sexita del trabajo que venía del siglo XIX. 


En los talleres textiles aprendían aparte de a tejer y confeccionar alfombras de nudo, labores como: bordado, bordado a máquina, ganchillo, costura y macramé. 
El taller textil colaboraba especialmente con la carpintería. Las mujeres tapizaban muebles, pero también dejaron su huella en la decoración de la casa modelo Am Horn con numerosos tapices. Al igual que en los demás talleres, el textil combinó su actividad educativa con la productividad comercial.  Intentaban innovar, realizar diseños sencillos y funcionales, muy deudores de la pintura abstracta-geométrica. Llegaron a crear modelos y prototipos para la industria. Los diseños se basaban en formas geométricas básicas como el círculo, triángulo y cuadrado y en los colores elementales como el azul, amarillo o rojo. Era evidente la influencia de Kandinsky y Moholy Nagy en los diseños Bauhaus de artes textiles.
Se llevaba una cuidadosa documentación de los trabajos: las piezas única más importantes eran fotografíadas, muchos trabajos de las alumnas eran comprados por la Bauhaus, que se reservaba el derecho de reproducción. Además se llevaba un registro de los trabajos de hilado sobre los que la Bauhaus tenía los derechos: hasta el 1 de abril de 1925 se incluían 183 trabajos en la lista entre colchas, cojines, manteles, chales, alfombras, tapices, tapetes, cojines, ropa de niño, tocas, telas para blusas, colchas de cuna…

Gertrud ARNDT


Lore LEUDESDORFF



Gunta STÖLZL



Transcendencia e Impacto de la Bauhaus

Los artistas, diseñadores y arquitectos de la Bauhaus se trasladaron a Estados Unidos donde fueron fermento para la creación de escuelas como el célebre Institute of Design de Chicago –fundado por Moholy-Nagy en 1937-, mientras Gropius trabajaría en la prestigiosa universidad de Harvard. Por su parte, Mies van der Rohe se trasladó a Chicago donde dirigió el departamento de arquitectura del Illinois Institute of Technology y diseñó su nuevo campus.
El impacto de la Bauhaus en el diseño contemporáneo ha sido brutal y sus efectos todavía perviven.
Con el tiempo, la Bauhaus adquirió la reputación de haber creado un estilo propio a pesar de que éste no fuera uno de sus objetivos. 
El “estilo” Bauhaus lo podemos definir como sencillo, elegante, sobrio y geométrico, con una gran economía de medios, aunque en la práctica crearon obras muy variadas. La Bauhaus proporcionó los cimientos filosóficos del Movimiento Moderno. 
El diseño Bauhaus dejó una gran huella: sus productos fueron ampliamente reproducidos así como su método de enseñanza (que influirían hasta en las Escuelas españolas de Artes y Oficios). Y es que la Bauhaus cobró un auge espectacular en poco tiempo. 
En 1979 se inauguró el Archivo Bauhaus en Berlin, un edificio diseñado por Gropius y otros arquitectos. Hoy es un museo que alberga la colección Bauhaus más completa del mundo. En 2019, con motivo de su centenario, se espera inaugurar un nuevo museo en Berlin a cargo del estudio español González Hinz Zabala.
El movimiento de la Bauhaus influyó tardíamente en España  y se orientaría fundamentalmente hacia la renovación arquitectónica en la que se inscribieron nombres como Mercadal José María Sert.
Las voces críticas a la Bauhaus tampoco han faltado. En opinión de Tom Wolfe ha sido mitificado en exceso, provocando cierto papanatismo y sobrevaloración. Ha propiciado un uso y un abuso del funcionalismo: homogeneización, ausencia de ornamentación, casas como fábricas y fábricas como casas.
En conclusión, y a pesar de sus detractores, para bien o para mal, la Bauhaus se ha convertido en el paradigma del diseño moderno, de plena vigencia aún hoy en día.


PARA SABER MÁS

https://www.march.es/conferencias/anteriores/voz.aspx?p1=22641
http://mondo-blogo.blogspot.com.es/2011/05/women-of-bauhaus.html
http://www.southbearpress.org/Home.html
http://www.fundacionico.es/exposiciones/marcel-breuer-diseno-y-arquitectura/
http://mdi1314.blogspot.com.es/2014/01/funcionalismo-racionalista-u-organicista.html
http://decofilia.com/blog/1920-sillon-f51/
https://www.moma.org/d/c/exhibition_catalogues/W1siZiIsIjMwMDE5OTQ0MyJdLFsicCIsImVuY292ZXIiLCJ3d3cubW9tYS5vcmcvY2FsZW5kYXIvZXhoaWJpdGlvbnMvMjc4IiwiaHR0cHM6Ly93d3cubW9tYS5vcmcvY2FsZW5kYXIvZXhoaWJpdGlvbnMvMjc4P2xvY2FsZT1lbiIsImkiXV0.pdf?sha=2a1aaea915211b8a